日本では、マスを対象にしたプロダクトはヤンキー性とファンシー性から逃れられないのかもしれない。

ヤンキー文化論序説という本をきっかけに色々調べるうち、そう思うようになりました。

仮に逃れることは可能だとしても、そういう見方で日本の製品を見ると意外に面白いんです。

根本敬は「世の中の９割はヤンキーとファンシーで出来ている。」と指摘していたそうで、ナンシー関は「日本人の三大気質はヤンキー、ミーハー、オタク」だと言う持論を持っていました。

どちらも根拠は経験的なものでしかないでしょうが、妙に納得できる部分があります。

• ヤンキーとファンシー

考えてみると、日本のヤンキーとファンシーの親和性は異常に高いことに気がつきます。

都築響一氏は本書の中でこう言っていました。

日本のヤンキー文化で面白いのは—ここが欧米のハードコアなんかと違う点だと思うんですが—、硬派と言ってるんだけど、どこか女の子っぽい側面があるんですよね、かわいらしいものが好きなんです。

単車を改造するのにキャラクターの絵を使ってみたり、女物のサンダルを履いてみたり。

かわいいイメージがちょこちょこ入ってくるわけです。

そういうなんとも言えない曖昧さが面白いですよね。

キティちゃんをはじめとするサンリオのキャラクター、ミッキーやプーさんなんかのディズニーキャラクターのファンシー性はもはやヤンキー性の一部と化している気すらします。

車内で煌めくブラックライト、ダッシュボードに飾られたハイビスカスのレイ、車外にまではっきり聞こえるBGM、フォグマシーンさながらのタバコの煙。

かわいいキャラクター達が加われば、近所で見れるエレクトリカルパレード！

蛇行運転なら完璧です。

まあ、ないでしょうけどね。

ここまででは、ヤンキー性=不良といった枠から抜け出していませんが、本書で指摘されているヤンキー性は不良文化そのものではありません。
あくまでヤンキー独特の「趣味」あるいは「美意識」のことをヤンキー性としています。

このヤンキー性は、非ヤンキーである普通の人でも、程度の差こそあれ秘めているものです。

巻末に収録されているナンシー関のコラムにはこうあります。

私には「世の中には”銀蝿的なもの”に対する需要が、常に一定してあり、そしてその一定量は驚くほど多い」という持論がある。

（中略）  有意識・無意識に関わらず「銀蝿的なもの」に心の安らぎを覚える人は、老若男女の区別なく人口の5割を占めると私は見ている。

ヤンキー性剥き出しのドラマや映画、マンガのヒットは当然ながら、安室奈美恵、PUFFY、モーニング娘。、浜崎あゆみ、倖田來未、EXILEなどが時代を象徴するほどの人気を得てきたことから、充分頷けます。

本書の中でエッセイストの酒井順子氏は、横須賀出身で豪快かつ細かいことに拘らない小泉元首相のもつヤンキー性にも触れています。

• マスを対象にしたプロダクトのヤンキー性

主流市場（銀蝿的なものに惹かれる人々の市場/人口の5割を占める）で製品が受け入れられるにはヤンキー性やファンシー性が欠かせないとするならば、マスを顧客とする大企業は製品にそれらを内包させざるを得ないということになります。

株価を維持するには成長し続ける必要があるため、売上10億の会社が10%成長するには翌年1億増やせばいいですが、1兆円の会社は1000億円増やさねばなりません。

1000億円増やすにはヤンキー性やファンシー性を欠いたスタイリッシュで小さな市場に攻めこんでも割に合わないと感じるのが普通です。

主流市場のメーカー製品と、小さな市場の「デザイン家電」の違いの一つは、おそらくそこにあるのだろうという気がしています。

「デザイン家電」は、どこかクリーンルーム感が強く、PUFFYにも、モー娘。にも、浜崎にも、倖田來未にもなれない。

どちらかと言えば、自分たちが信じる音楽を純粋に発信しつづける自費制作アーティスト、あるいはインディーレーベルのアーティストに近い。

なので、人は選びますが、その分熱烈に支持してくれるファン層は一定数いるのだと感じます。

国内メーカーでコンシューマー製品を最も手広くやっているのがパナソニックだと思いますが、そこを主戦場とするが故に、ヤンキー&ファンシー成分とスタイリッシュ成分の匙加減とまとめ方が絶妙に上手い体質が出来上がるのかと思います。

2009年度、アラサー向け家電のNIGHT COLORシリーズは当初の計画の2.2倍を売り上げ、好調のようです。

ギラッとした雰囲気に加え、遠目には黒でも近づいてみると柄が見える「コモンブラック」カラー。

洒落た大人の顕在的モダン嗜好と潜在的ヤンキー嗜好に見事に訴えかけるものがあると思います。

SANYOについては、ブランド消滅という残念な結果になってしまいました。

デザイン面では、私自身いいなと思う製品が沢山あったのですが、いかんせんヤンキー成分の少ないデザインだったことがひょっとすると・・・なんて思ってしまいます。

ちなみに、Franc Francのような店に置いてある「デザイン家電的」製品群は、ギラつきこそないものの、ビビッドなピンクや黄緑といったカラーリングと独特な「かわいい」かたちで、確実にファンシー性をまとっていると思います。

• ヤンキー性の美意識

デザイナー受けは悪いけれど消費者受けのよいもの、デザイナー受けは良いけれど消費者受けの悪いものがあります。

そのギャップこそがヤンキー性の美意識なのではないかと思うと、そのことが頭から離れません。

洗練されているものはデザイナー受けが良いけれど、どこか「もの足りなさ」を感じる人は多いのでしょう。

全体の調和よりも、各部の迫力を過剰なまでに引き出すことを優先する嗜好は、調和好きなデザイナーにとって禍々しいものに他ならず、無意識的に見て見ぬふりを強いることになっているように思います。

そこは、無駄な要素を削ぎ落していく思想の対極にある世界だからです。

存在感を消していくのではなく、過剰なまでの存在感が求められる世界だからです。

時代はシンプル志向であっても、秘めたるヤンキー性は、何よりもキラキラ感や密度感、（危うい）豪華さや迫力を最重要視しています。

かねてから、日本の美と言えば余白や調和や繊細な変化について語られてきました。

しかしどんな時代でも、ヤンキー性の強い知識人や文化人はマイノリティだと思います。

故に、テキストとしてアーカイブされてこなかったもう一つの美意識、それがヤンキー性の美意識だと言っても良いと思います。

実は「幕の内弁当の美学」とは、大衆的なヤンキー性の美意識と洗練された日本の美意識、その二つを衝突させずに昇華したものではないでしょうか。

最後に、引用で終わります。

「日本人の美意識を野放しにしておくと、結局は金閣寺ができてオシマイだなあ（松田融児氏）」

「ユーザーの声を聴いても新しいものは生まれない」という一方で、「ユーザーの声を聴いて新製品がヒット！」のような話を聞きます。

この両方を聞くと「ユーザーの声は要るのか要らないのか？一体どちらが正しいのか？」と言った疑問が生まれてもおかしくありません。

しかしこの問い「ユーザーの声は要るのか要らないのか」は、単純にYes/Noで答えられるものではないはずです。

これらは矛盾する命題ではありませんし、「ユーザーの声など要らない！」と割り切ってしまうのも、ユーザーの声に頼り切ってしまうのも、両方とも危険だと考えています。

ユーザーの声を聴くのが効果的なのはどのような時か？

つくり手が自分を信じてモノやサービスを生み出さねばならないのはどのような時か？

これらの場合分けをしっかり考える必要があると思います。

世の中で言われている様々な法則や理論には、基本的に例外が存在します。

重要なのは「例外はあるのか」「例外が発生したのはどのような状況か」を考えることです。

そうすることで理論は精度を増し、磨き上げられていくものです。

• ユーザーの声を聴いても新しいものは生まれない

これと同様のことは、多くの著名な経営者やデザイナーが述べていますし、多くの方が賛同するところと思います。

ここでいう「新しいもの」とは、「革新的なモノやコト（イノベーション）」を指していると捉えて話を進めます。

「ユーザーの声から革新（イノベーション）は生まれない」ということについては、初めて「イノベーション」を定義した経済学者シュンペーターが、著書「経済発展の理論」の中で以下のように述べています。

経済における革新は、新しい欲望がまず消費者の間に自発的に現れ、その圧力によって生産機構の方向が変えられるというふうにおこなわれるのではなく—われわれはこのような因果関係の出現を否定するものではないが、ただそれはわれわれになんら問題を提起するものではない—、むしろ新しい欲望が生産の側から消費者に教え込まれ、したがってイニシアティヴは生産の側にあるというふうにおこなわれるのがつねである。

• ユーザーの声を大切にする

大切なのは、イノベーションとよい製品を混同しないことだと考えています。

ユーザーの声からイノベーションは得られなくとも、よい製品をつくり出すことはできると考えるのが妥当です。

そうでなければ、「ユーザーの声を大切にしてヒットしました！」ということの説明がつきません。

ユーザーの声を大切にする必要性が叫ばれているのは、それに応えようとするあまり迷走しかねない危険こそあれ、やはりそれが改良や改善のためには役に立つものだからだと考えられます。

シュンペーターは当初、イノベーションのことを新結合を呼んでいましたが、非連続的な新結合と、漸進的 / 連続的な歩みを区別していました。

生産をするということは、われわれの利用しうるいろいろな物や力を結合することである。生産物および生産方法の変更とは、これらの物や力の結合を変更することである。

旧結合から漸次に小さな歩みを通じて連続的な適応によって新結合に到達することができる限りにおいて、たしかに変化または場合によっては成長が存在するであろう。

しかし、これは均衡的考察方法の力の及ばない新現象でもなければ、またわれわれの意味する発展でもない。

以上の場合とは違って、新結合が非連続的にのみ現れることができ、また事実そのように現れる限り、発展に特有な現象が成立するのである。

よい商品というのは、革新的なものも確かにありますが、一方で漸進的かつ連続的な歩みのものも含んでいます。

むしろ大半は後者でしょう。

有名な言葉ですが、シュンペーターは「資本主義・社会主義・民主主義」の中で、不断に古きものを破壊し新しきものを創造するイノベーションの特徴を「創造的破壊 (Creative Destruction)」と読んでいます。

これは、後のクリステンセンの「破壊的イノベーション」の概念に継承されていると思われます。

「よい商品 = 破壊的」かと言えば決してそうではありませんが、しかしだからと言って、漸進的 / 連続的な歩みをないがしろにできるはずもありません。

ある種類の製品群がユーザーにとって性能過剰に陥っているときにこそ、破壊的イノベーションが必要であると同時にそのチャンスでもあるわけですが、次の段階、登場した破壊的イノベーションの機能や性能を引き上げ、より良いものにしていくのは漸進的 / 連続的な歩みです。

ユーザーの声というのは、基本的には既にある製品に対する不満が大半だと思います。

ユーザーの声をそのまんま受け取るのか、その背後に潜む意味を拾い上げるのかで結果に違いこそあれ、「この製品のこういうところをなんとかして欲しい」という既存のものベースの考え方は、イノベーションこそ生み出さないかもしれませんが、改良 / 改善のヒントにはなり得るのだと思います。

ユーザーの声が要るか要らないかについては、「必要なのがイノベーションなのか、改良 / 改善なのかによる」というのが今の私の見方です。

「ユーザーの声は大切」「ユーザーの声など要らない」の間でもやもやしていたくはないので、自分なりにこたえを出してみたいと思っていました。

面白いのがどちらかはいわずもがな、といったところでしょうが。

音楽を楽しむにはデータダウンロードが主流になりつつあり、管理はPCで行うようになっています。

書籍や雑誌に関しても、今はまだ音楽ほどではないにしろ、電子書籍の波は確実に加速していくものと思われます。

ゲームソフトも実態のないものになりつつあります。

ケータイ向けゲームやPCゲームはもとより、専用ハードのあるゲームもネットワークに接続されたことで、オンラインで購入できるようになりました。

コンテンツをパッケージ化して販売する形態をとっているものは、基本的に全て解体されて電子化/データ化され、コンテンツのみを供給するというやり方になっていくはずです。

勿論、アナログの良さを無視しているわけではありませんが、この流れは止められませんし、止めるべきものでもありません。

仮に反論するとして、アナログの良さとは何でしょうか？

「味わい」「深み」「暖かみ」といった曖昧なメリットでは、デジタルの利便性に太刀打ちできないと考えています。

これは、アナログを愛してやまなかったはずのDJ達がデジタルへと移行し、レコードにとって殆ど最後の市場が消失したことからの個人的反省と教訓です（DJのプレイスタイルにおけるイノベーション普及考参照）。

箱の中から取り出して再生するまでの、独特の「手続き」や「作法」といったところも趣味としては良いものでしたが、大きな流れに逆らうほどの力は持っていませんでした。

データ化されたコンテンツの「音質が悪い」「読みづらい」「扱いづらい」といった欠点は、当初は目立ちます。

それこそ、圧倒的な差があるようにすら思えます。

しかし、誰もが認識できるこの類の欠点は、デザインやエンジニアリングにより必ず克服されると信じています。

音楽も写真も書籍も、アナログの楽しみというのは最後に残された一握りのマニアの中だけで生き続けるのみだと考えます。

音楽も、書籍も雑誌も、ゲームも、コンテンツからパッケージが引き剥がされていくのは避けられません。

• コンテンツからパッケージが引き剥がされる時

それが10年後なのか20年後なのか、はたまた100年後なのかは分かりません。

しかしそうなった時のことを想像することはできます。

友人の家に遊びに行った時のことを思い出してください。

大人になってしまえば、トークだけで充分楽しめるものですが、10代だったらどうでしょうか。

特に男性。

友人の部屋で何をしていたでしょうか。

置いてあるCDや雑誌、マンガやゲームソフトを物色するのが普通だと思います。

大抵はそのどれかを手に取っていれば楽しめましたし、暇つぶしにもなったものです。

加えて、それらからはその人の趣味嗜好を読み取ることもできました。

パッケージにより「モノ」となっていたコンテンツは、自己表現手段であり、他人にとってはその人のことを理解するための大きなヒントでした。

10代の部屋から本や雑誌、マンガ、CD、ゲームソフトが消えたら何が残るのでしょう。

綾波レイの部屋に行っても、目のやり場もなく沈黙が続くつらい思いをするだけです。

• 未来の10代の遊び方はどうなっていくのか

実際のところは部屋からそれらが消え去っても、人間、その時の環境や状況にあわせて楽しむことぐらいいくらでも出来るはずですし、心配する必要はあまりないのかもしれません。

なるようになると言われればそれまでです。

80年代生まれの私は、生きていない時代のことはわかりませんが、マンガもCDもゲームも登場したのはここ最近のことに過ぎませんし、それらのない時代は、無いなら無いで別の楽しみ方があったはずです。

別のものが代替する可能性もあります。

「味気」なく思えますが、セカイカメラのようなAR（拡張現実）も個人やその人の部屋にフォーカスしたものが登場する可能性だってあります。

もしかしたら、何も無くても各自が自分の端末に向かっていれば暇はしないのかもしれません。

極端ですが、人の家に遊びに行くことがほとんど無くなることも考えられます。

とは言え、「CDもマンガも雑誌もゲームも目には見えない友人の部屋で、今以上にワクワクできる何か」は何なのかを考えてみる。

未来の10代の遊び方、想いを巡らせてみるのも悪くないと思いますがどうでしょうか。

先日、小さな焼肉屋にいきました。

30代らしき夫婦とおばちゃんの3人で切り盛りしており、スペースは窮屈、佇まいはお世辞にもキレイとは言えないけれど、それでもお客さんで一杯。

そんな店でした。

調べた際、近場で最も人気があったのでそこを選びましたが、入ったときには正直失敗したかもと思ったほどです。

しかし、そこでの体験は衝撃的で、ちょっと感動してしまいました。

• 当たり前のものが無さ過ぎる焼肉屋

外観も雰囲気も極めて日本的でしたが、その思想は異質なもので、「大胆さと割り切りが日本人らしからぬ店」。

そんな印象を受けました。

当たり前と思われるものを潔く切り捨てていたからです。

座った席はカウンター。

二人なのに向かい合わずに焼肉を食べたのは勿論初めてです。

網は専用テーブルではなく、家庭用カセットコンロサイズの据置き型。

エアコンも、卓上の換気扇も無いかわり、入り口のドアや窓は全開でした。

ここまでは、単に設備投資できなかったことの結果に見えますが、驚くべきはここからです。

肉を3種類ほど頼むと、一つの皿にまとめて盛られて出されました。

大きな皿に、余白を活かして美しくレイアウトされたフレンチを想像されても困ります。

もやし無しの肉だけジンギスカンもカルビもホルモンもぎっしり詰め込まれ、かろうじて境界がわかるレベルです。

肉を追加で頼むと、「その皿にいれるから、ちょっとちょうだいね」と言います。

ビールのおかわりも、「そのジョッキそのまま使うからね」と言います。

おしぼりをもらえるか聞くと、どうやらおしぼりなど無いらしく、調理場のティッシュを一枚いただきました。

紙ナプキンが用意されているわけでもありません。

ここまで見ると酷い店のように聞こえるかもしれませんが、そのかわり肉はほとんど一人前250円で、その値段とは思えないぐらい美味しく、量も十分ありました。

安くて美味しい肉を出せる理由は、上記のような、通常考えられないコスト削減策にあるのだと思います。

一枚の皿に注文された全ての肉を盛ることで、狭いカウンターでも隣のお客さんの邪魔になりません。

席数も多く確保することができます。

カウンター席が多いせいか、一人で食べにきている方もちらほらいたことは印象的でした。

おかわりには、皿やジョッキをそのまま使うことで洗う手間が要らず、少人数で店を回すことができます。

固定費削減のために、おしぼりさえも置かない割り切り方はあっぱれです。

この店が“Perfect”かと言えばまるでほど遠いものですが、それでもお客さんを満足させてくれます。

• “Perfect”志向の弊害

この店の思想は、“Perfect”なものづくりを志向する日本の製造業界のそれとは全く別物でした。

“Perfect”は絶え間なき改善により成し遂げられていきます。

“Perfect”を目指すと、確かにモノやサービスとしてはより良いものになっていく一方で、一時的にであれその性能を引き下げてしまうような事態は受け入れ難くなります。

通常、世の中を変えるような破壊的技術を既存の価値基準で見た場合、その性能は一時的に低下します。

メインフレーム、ミニコン、デスクトップPC、ノートPC、スマートフォンあるいはタブレットPCという流れを見れば、スペックダウンしていながらも、従来にない価値基準で評価されていることがわかります。

“Perfect”と“Innovative”は全く別のベクトルなのです。

この小さな焼き肉屋は、スペックダウンを恐れていないように見えました。

通常、ジョッキや皿をそのままつかったり、油まみれになる焼き肉屋でおしぼりや紙ナプキンがないなど考えられません。

Perfectを志向するならば、それらを維持した上で、それでもなんとかコストダウンしようとするのが普通だと思います。

この焼肉屋のコストダウンが“Innovative”だと言うのは強引かもしれません。

しかし、“Perfect”信仰に陥らないという点では印象深いものでした。

• あとがき

ちなみに、ジョッキや皿をおかわりの都度洗わないというのは、近年のマイ箸ブームの影響もあって、ネガティブイメージどころか、逆にポジティブイメージすらつくり出してくれるかもしれませんね。

どの席からも調理場の見える小さな店限定かもしれませんが。

前々回、米・スタンフォード大学の社会学者、エベレット・M・ロジャーズ教授について触れました。

イノベーション研究に大きな影響を与えた人物を5人挙げるならば、ロジャーズは間違いなくそのうちの一人です。

普及学の権威である氏の著書「イノベーション普及学 （イノベーションの普及）」はイノベーションがどのように伝播していくのかを解明したもので、初版刊行から40年立ってもなお改版を重ねる名著です。

以下に、その普及研究の大枠をまとめました。

• イノベーター理論と普及率16%の論理

ロジャーズは、イノベーター理論とそれに関する普及率16%の論理が有名です。

イノベーター理論とは、イノベーションの普及に関する理論ですが、そこでロジャーズは、新しいアイデアを採用する早さの度合いに基づき、採用者を5つのカテゴリーに分類しました。

イノベーター / アーリーアダプター / アーリーマジョリティ / レイトマジョリティ / ラガード の5つです。

「イノベーター」や「アーリーアダプター」と言った言葉は耳にする機会が多いかもしれません。

イノベーター理論は、マーケティング担当者が参考にすることが多いためか、「消費者の商品購入に対する態度を新しい商品に対する購入の早い順から・・・」という記述のされ方が目立ちます。

理解はしやすいのですが、意味を絞っているために誤解を招くと言わざるをえません。

商品を購入する消費者ではなく、あくまで「新しいアイデアを採用する採用者」と捉えておくほうが適用できる範囲が広がるためより有益だと思います。

以下がイノベーター理論の概念を図にしたものです。

5つのカテゴリに区分された採用者の比率は図のような釣鐘状の曲線（ベルカーブ）で表されます。

かつて、採用者カテゴリーの名称は無数にありました。

イノベーターにあたる最も革新的な採用者ひとつとっても「進歩主義者」「高度試行者」「実験者」「灯台」「先進的偵察者」「超採用者」などと呼ばれ、その混乱から、採用者カテゴリーやカテゴリー化手法の標準化が叫ばれていました。

そこで確立されたのがこの、普及率の累積表示であるS字型普及曲線に基づいた採用者カテゴリーの分類方法です。

普及過程には時間要素があり、それにそって採用者カテゴリーが分類されました。

S時型普及曲線とベルカーブの違いは、データの表示方法の違いに過ぎません。

図を見ると、イノベーターとアーリーアダプターの合計である普及率16％のラインを超えたあたりから普及が急激に加速するため、アーリーアダプターへの普及がアイデアが普及するためのポイントとなります。

ロジャースはこれを「普及率16％の論理」として提唱しました。

普及率がおよそ10%から20%の間は普及過程の確信であり、普及離陸期と呼びます。

• 5つの採用者カテゴリー

以下、5つの採用者カテゴリーの特徴です。

「イノベーションの普及」をベースに、ジェフリー・ムーア「キャズム」も参考としています。

1. イノベーター
・新しいアイデアへの感心が高く、冒険的。
・採用するアイデアが信頼できるかどうか、便益をもたらしてくれるかどうかは問題ではなく、新しいアイデアを最も早く体験/習得することに関心がある。
・ハイテク関連に限定すれば、別名テクノロジー・マニアと呼ばれる。

2. アーリーアダプター
・初期採用者であり、尊敬の対象。
・イノベーターと比較し、より地域社会システムに根ざした存在で、最も高いオピニオン・リーダーシップを有している。
・イノベーターほど先進的すぎないことから、多くの人の役割モデル（参考）となる存在。
・周囲の人間にとっては、イノベーションを採用する際に「確認すべき」個人。
・イノベーターが新しいアイデアそのものを求めるのに対し、アーリーアダプターが価値を見出す対象はアイデアがもたらす結果。
・アイデアの採用によるブレイクスルーが期待できるならば、リスクを負う覚悟がある。

3. アーリーマジョリティ
・初期多数派であり、慎重派。
・アイデアの採用に関しては飛躍を求めず、着実な進歩を望む。
・リスクという言葉は否定的な意味合いしかもたないため、極力回避につとめる。
・アイデアの採用に際しては、他の人間がそれどのように使いこなしているかを必ず知ろうとする。

4. レイトマジョリティ
・後期多数派であり、懐疑派。
・拠り所とするのは進歩ではなくこれまで守ってきた慣習であるため、本質的に持続的でないイノベーションは受け入れない。
・懐疑的かつ警戒の念をもちながらイノベーションに接近するため、周囲の殆どが採用し、不確実性の大部分が取り除かれていなければ採用しようとはしない。

5. ラガード
・因習派。「ラガード」=「のろま」
・イノベーションを最後に採用するグループ。
・資源は限られており、おぼつかない経済状態などから、採用以前に「うまくいくことが確実」となっていなければならない。

• 採用者カテゴリーの特質

ロジャーズは、採用者カテゴリーの特質について、研究結果を社会経済的地位 / 人格 / コミュニケーション行動 の三つの観点から一般化しています。

あくまで一般化したものであるため、全てに当てはまるわけではありません。

1. 社会経済的地位
初期の採用者は後期の採用者と比較し、
・長期の学校教育を受けている
・読み書き能力が高い
・社会的な地位が高い
・社会的流動性が高い

2. 人格
初期の採用者は後期の採用者と比較し、
・感情移入力（他の人の役割に自らを投影する能力）が高い
・独善的なようである
・抽象概念に対処する能力が高い
・合理性をもっている
・知性的である
・変化に対して好意的な態度を持っている
・不確実性やリスクに対処する能力がある
・科学に対して好意的な態度をもっている
・運命論者ではない
・向上心が強い

3. コミュニケーション行動
・社会参加することが多い
・人との繋がりが強い
・所属する外部の社会システムへの志向が強い

ロジャーズは、これらの差異を、それぞれに異なったコミュニケーション・チャネルあるいはメッセージを使用する戦略（オーディエンス・セグメンテーション）に活用できると述べています。

• 補足：キャズム理論

アーリーアダプター、つまりオピニオン・リーダーによる採用が普及過程の核心だとしたロジャーズですが、アメリカのマーケティング・コンサルタントのジェフリー・ムーアは、そこには重大な見落としがあると言いました（ハイテク産業に関して）。

ムーアは、5つの採用者カテゴリーの間には、それぞれの特性が異なるために普及に際して落とし穴となる溝があることを指摘しています。

特に、イノベータやアーリーアダプターで構成される初期市場と、アーリーマジョリティで始まる主流市場の間には容易には越え難いキャズム（深い溝）があると言いました。

このキャズムを超えれるかどうかが、成功か失敗かを大きく左右します。

キャズムは、アーリーアダプターとアーリーマジョリティの共通点が少ないことからきています。

アーリーアダプターは変革のための手段を求めるのに対し、アーリーマジョリティーは改善や進化のため手段を求めます。

いくつかの有用な先行事例が必要なアーリーマジョリティにとって、変革を目的としたアーリーアダプターの採用事例は適切な先行事例になり得ないというのがムーアの主張です。

ちなみに、このような主張をしたムーアに対し、ロジャーズは以下のような反論をしています。

革新性という連続体のうちで、五つの採用者カテゴリー相互間に明確な断絶が起こることはない。

それにもかかわらず、「イノベーター、初期採用者」対「初期多数派、後期多数派、ラガード」の間には不連続が存在すると主張する研究者がいる。

これまでの研究には、採用者カテゴリー間に「キャズム（深い溝）」が存在するという主張を裏付ける知見はない。

そうではなく、革新性が適切に測定されるならば、それは連続的な変数であって、（各カテゴリー間には重要な違いはあるが）隣接する採用者カテゴリー間には明瞭な断絶や不連続は存在しないのである。

とは言え、「キャズム」がハイテク業界のバイブル的ポジションにあることを考えれば、間違いとは言い難いところです。

• イノベーションの普及速度に影響を及びす5つの知覚属性

「DJのプレイスタイルにおけるイノベーション普及考」にて一部触れましたが、ロジャーズは、以下のイノベーションの5つの属性に対して個人がどう知覚するか、その度合いにより普及速度が予測できると言いました。

1. 相対的優位性
既存のアイデアよりよいと知覚される度合い
採用速度と正の相関

2. 両立可能性
既存の価値観、過去の体験、必要性と相反しないと近くされる度合い
採用速度と正の相関

3. 複雑性
理解や使用が困難だと知覚される度合い
採用速度と負の相関

4. 試行可能性
（試しに）経験できる度合い
採用速度と正の相関

5. 観察可能性
成果（採用の結果どうか）が他人の目に触れる度合い
採用速度と正の相関

ロジャースの提唱しる知覚属性としては以上5つですが、再発明（利用者によって変更あるいは修正される度合い）、 イメージ（採用者個人の地位を高める度合い）なども普及速度に影響を与えると言われています。

• イノベーション決定における5段階モデル

イノベーションの決定過程は概念的に以下の5つの主要段階に区分されます。

「イノベーション決定過程は情報探索活動ならびに情報処理活動であって、人はイノベーションに関する不確実性を徐々に減少させるために情報を獲得する」というのがロジャーズの主張です。

先程の採用者カテゴリと関連づけた場合、初期の採用者ほど、不確実性に対して寛容な傾向があります。

• コミュニケーション・チャネル

コミュニケーション・チャネルとは、アイデアが発信源から受け手へと伝わる経路のことを言います。

イノベーション採用の際には、「採用が良い結果をもたらすか分からない」といった不確実性を減少させるべく、人はコミュニケーション・チャネルにより情報を探索、処理しています。

ロジャーズは、コミュニケーション・チャネルを以下のように区分しました。

1. マスメディアと対人

マスメディアと対人は言葉のとおりなので、説明不要かと思いますが、マスメディアから情報を得るのか、直接人から情報を得るのかで区分しています。

2. コスモポライトとローカライト

コスモポライト・チャネルとは、「所属するコミュニティ外部の情報源との接触経路」のことを言います。

ローカライト・チャネルとは、「所属するコミュニティ内部の情報源との接触経路」のことを言います。

それぞれの特徴は以下のとおり。

1. マスメディア・チャネル
・イノベーションに関する知識を伝えるのに有効
・相対的に知識段階で重要
・後期の採用者よりも初期の採用者に対して、相対的に対人チャネルよりも重要

2. 対人チャネル
・個人を説得して新しいアイデアを受け入れさせるのに有効
・相対的に説得段階で重要

3. コスモポライト・チャネル
・イノベーションに関する知識を伝えるのに有効
・相対的に知識段階で重要
・後期の採用者よりも初期の採用者に対して、相対的にローカライトチャンネルよりも重要

4. ローカライト・チャネル
・個人を説得して新しいアイデアを受け入れさせるのに有効
・相対的に説得段階で重要

通常、イノベーションを新規に採用する場合、マスメディア等を通じて情報収集を行い、身近で既にそのイノベーションを採用している友人や同僚に意見を聴くことで採用を決定するという流れを辿ります。

「あ、iPad買ったんだ！どう？やっぱいい？ネットとかで色々調べたんだけど迷ってるんだよね〜」といった会話は、決定に至るまでの態度形成にローカライト・チャネルや対人チャネルが重要だということを如実に表しています。

仮にこの問いかけへの返答が「う〜ん、微妙だな〜。結局あんまり使ってないよ」だとしたら、仮にメディアでの評判がよくても購入を見送ることになると思います。

不思議なものですが、遠くの知識豊富な専門家の意見よりも、身近な素人の意見が優先されるものです。

口コミを利用したバズ・マーケティングのような手法は、このような特性に注目した結果なのだと思います。

ロジャーズの普及研究について、まだまだ触れていない部分は多いですが、大枠はこのようなものです。

ハーバード・ビジネススクールのクレイトン・M・クリステンセンは、イノベーションモデルには、「持続的イノベーション」「破壊的イノベーション」の二種類があるとしました。

Appleのイノベーションの話を書きたいのですが、その前にこのクリステンセンの概念の説明から入ります。

• 持続的イノベーション

持続的イノベーションとは、製品・サービス・技術の性能向上を伴うイノベーションのことで、これには漸進的なものから抜本的なものまで様々なものがありますが、一貫して言えるのは主要市場のメイン顧客が今まで評価してきた性能指標にしたがって、既存製品の性能を向上させるということです。

ゲーム機やPCの性能がどれだけ急激に伸びても、それがどれだけ技術的に高度なものであっても、既存の顧客が評価してきた性能指標におけるイノベーションという意味では、それは持続的イノベーションにあたります。

• 破壊的イノベーション

主要市場が評価する性能向上を行う持続的イノベーションに対し、破壊的イノベーションはこれまでとはまったく異なる価値基準を市場にもたらします。

既存の製品に比べて性能が低いながら、低価格・単純・小型・使い勝手がよい場合が多く、既存市場の顧客とは別の顧客から支持されるという特徴を持ちます。

確立された技術やビジネスモデルによって形成された既存市場の秩序を乱し、業界構造を劇的に変化させてしまうことが「破壊的」と呼ばれる所以です。

破壊的イノベーションを具体的に捉えるならば、最近ではNintendo DSやWiiの成功事例がわかりやすいと思います。

勿論、iPod以降の様々なApple製品もこれに該当する事例です。

Appleがかつての最強企業として君臨したMicrosoftを追い抜くまでに至ったのは、破壊的製品を次々と世の中に出していったからに他なりません。

クリステンセンの研究によれば、確立された市場での新規参入企業の成功率はわずか6%に過ぎませんが、破壊的イノベーションをリードした新規参入企業の成功率は37%まで跳ね上がります。

任天堂が「SonyのPSより高性能な製品を！」とか、Appleが「Windowsより良いOSを！」とやっていたならば、今ほどの成功はなかったかもしれません。

「よりよいものづくり（既存製品より）」というスローガンは暗に持続的であることを意識づけるので、既に市場のリーダーとなっている企業が安定飛行に入るには欠かせませんが、挑戦者として最強企業に挑む体制を築くのであれば捨て去るべきだと思います。

持続的イノベーションは実績ある企業の十八番なので、その土俵で戦いを挑んでも敗北が待っています。

それにしてもAppleは、なぜここまで破壊的イノベーションの高速普及を次々と成功させているのでしょうか。

• 新しいモノと古いモノののりしろ

前回のエントリ「DJのプレイスタイルに関するイノベーション普及考」で、イノベーションの普及には「のりしろ」を考えないといけないと書きました。

Appleの快進撃にはこの「のりしろ作り」の上手さがあるのだと思います。

まず、Appleは、iTunes, iPod, iTunes Music Storeつまり、ソフト、ハード、サービスの三位一体により大成功を納めました。

この流れでAppleが作ったのりしろは、Macユーザーがもともと使っていたiTunesをiPodののりしろにしたことで、PCで楽曲管理するという手間を最小限に抑えたこと。

そしてiTunes Music Storeに関しても、既にiTunes+iPodを使っていたユーザーに新たに何かを導入する手間を取らせなかったことだと言えます。

iPodのUIは秀逸であり、成功を後押ししましたが、それと同じかそれ以上に重要な役割を果たしたのはiTunes Music Storeです。

Appleは楽曲のダウンロードを簡単、便利、低価格にするということを成し遂げました。

実はこれこそが真の破壊的イノベーションであって、iPodの大成功は iTunes Music Store があってこそ成立したと思います。

少なくとも、日本でiPodが騒がれ出したのは、iTunes Music Storeのサービス開始後だったと記憶しています。

iTunes Music Store とiPodはジレットの「剃刀と替え刃」や「プリンタとインクカートリッジ」という有名なビジネスモデルの真逆をやってのけ、低い利益率に甘んじてでも楽曲を安価に提供することで利益率の高いiPodの購買客を囲い込み、売り上げを伸ばしました。

そして現在iPadがバカ売れしているのは、過去にiPod Touch, iPhoneの投入があったからこそだと思います。

iPad時点から過去を振り返ると、iPod Touch, iPhoneは全く新しい製品とユーザーとののりしろとして機能しています。

iPadを買う気にさせたのは、iPhoneやiPod Touchでハードウェアキーのないタッチインターフェースが使いづらいものではないということを多くの人々に経験させていたことが大きく効いているはずです。

iPadは、でっかいiPhoneであり、でっかいiPod Touchだと思えばいいからです。

この流れで逆を辿れば、iPhoneは電話もできるiPod Touchであり、iPod Touchはタッチ操作のiPodです。

人間は新しいモノを、古いモノの枠組みで捉えようとします。

そうしなければ理解不能なのでとても受け入れられるものではありません。

自動車が登場した時、それは「馬なし馬車」と見なされました。

「動く写真」も似たようなものです。

全く新しいモノを古いモノの枠組みで捉えやすくすること。

これはイノベーションの普及に欠かせないことです。

本当かどうかは分かりませんが、ジョブズはCEO復帰時にロードマップをつくり、今はただそのロードマップ通りに製品を市場に送り出しているに過ぎないなんて話を見たことがあります。

iPodの成功をベースに、単独で見れば破壊的なイノベーションを自社にとって、ユーザーにとってなるべく持続的な位置づけに持っていくことでその普及力を最大化するジョブズの計画性と手腕は信じられないものがあります。

お久しぶりです。

デザイナーとしてイノベーティブなことがしたいという願望があって、種になるアイデアがあっても、それをどう実現して採算をとっていくのかがノーアイデアでは意味がありません。

新しいアイデアを世の中に出してやっとスタートラインに立ったのだという意識が必要です。

製品として劣っているものに優れているものが駆逐されてしまうことが稀ではありません。

その屍を乗り越え、どうしたら多くの人に買ってもらい、使ってもらえるかを考える、これは大事だと思います。

というわけで、「新しいアイデアがどうしたら普及するのか」。

在学中にDJをしていた経験から、そこで起こったことをケースとして取り上げます。

• DJをレコード離れさせた革新的アイデア

私が物心ついたときには最早、家庭で音楽を聞くのにレコードというのは一般的ではなかったし、カセットテープかCDでした。

小学校の頃には主要なメディアはCDになっていた記憶があります。

同年代と話すときに「はじめて買ったCDは…」なんて言葉が出るのがその証拠。

もっと早く生まれていれば、「はじめて買ったテープは…」とか、「はじめて買ったレコードは…」という言葉だったに違いありません。

このように、家庭ではCDで音楽を聴くのが当たり前だった一方で、DJとレコードは切っても切りはなせない関係にあり、相変わらずクラブでかかる曲はレコードでプレイされていました。

CDJというお手軽な製品は世に出ていましたが、レコードのほうが「直感的に操作しやすい(インターフェースとして秀逸)」とか「CDJじゃパフォーマンス性が足りないのでエンターテイメントとしてはどうか」といった理由から使い物にならないという見方が大方で、DJ達の食いつきもあまり良くなかったのです。

食いつきがあまり良くなかった理由は他にもあります。

音源の不足がそれです。

意外かもしれませんが、クラブミュージックではCDよりもレコードのほうが圧倒的な選択肢の多さを持っていました。

大ヒット曲の場合、レコードではリミックスが何種類もリリースされますが、CDではリリースされません。

オリジナルに聞き飽きてきた頃にリミックスが登場することでブームが持続するようなことがよくありましたが、もしCDに頼っていたらそれをかけることは不可能でした。

また、レコードの場合は正規リリースの前にプロモ盤というのが出回ります。

読んで字のごとし、プロモーション盤なので、一般的に認知される前段階で新曲が手に入るわけです。

かけて何コレ!?という驚きがある曲は基本的にレコードでしか手に入らないと言ってもいいぐらいだったと思います。

実際、CDJにプレイスタイルを移行する人はあまりおらず、CDJは基本的にダンサーの音源再生専用といった状態でした。

そんな中では、私自身「なんだかんだでアナログは無くならないよ」なんて思っていました。

ところが、状況は急速に変化します。

2008年のCISCO RECORD閉店を筆頭に次々とレコード屋が廃業していきました。

大学院を卒業する頃には、クラブにレコードを持っていくと、「レコード使ってるんだね、珍しい」なんて言われる始末です。

何が起こったのか。

CDJがアナログレコードに取って替わったわけではありませんでした。

PCDJというプレイスタイルが急速に浸透し始めたのです。

CDJへの移行があまり進まなかったなかで、PCDJが急速に普及しはじめた理由は何か。

前述したとおり、CDJが音源の持ち運びという点では圧倒的に優位にあるにもかかわらず、あまり普及しなかった理由のひとつは操作性の悪さにありました。

だとすれば尚更、PCDJと聞くと操作性でより劣った印象を受けます。

実際、初期のDJソフトというのはマウスとキーボードで操作するような陳腐なものでしかありませんでした。

しかし、2003年にFinal Scratch、2004年にはScratch Liveという画期的なシステムが登場たのです。

これらのシステムにより、ミキサーをソフトウェア内部ではなく外部化することで実際のDJミキサーをインターフェースとして利用できるようになりました。

そして更に、アナログレコードをもインターフェース化（タイムコードコントロール）し、PC内の曲を操作できるようになりました。

簡単に言えば、インターフェースとして準備された専用のアナログレコードをスクラッチすれば、PC内の曲が連動してスクラッチされる仕組みです。

これによりアナログレコードの操作性とパフォーマンス性、デジタルの可搬性、検索性が共存できるようになったのです。

• PCDJの相対的優位性

イノベーションの普及速度は、ユーザーにそのイノベーションがどう知覚されるかに左右されます。

普及学の第一人者エベレット・ロジャーズは、イノベーションの採用速度を左右する五つの知覚属性について言及しました。

その知覚属性で最も分かりやすいのは相対的優位性だと思います。

イノベーションが既存のアイデアよりも良いものであると知覚される度合いが高ければ高いほど、その採用速度は早くなります。

CDJの場合、可搬性といった長所はあったものの、操作性で劣っていると認識されたため、結果として普及があまり進みませんでした。

DJの目的は場を盛り上げることであり、そのためには最高のパフォーマンスを発揮できなければなりません。

この価値基準でみると、可搬性のために操作性を犠牲にはし難い面があります。

対してScratch LiveなどのPCDJはアナログレコードの操作性はそのままに可搬性を大きく向上させました。

また、ここ数年の間に低価格での音楽ダウンロード販売が一般的になったことで価格での優位を得られたこともPCDJを大きく後押ししています。

• PCDJの両立可能性

ロジャーズは、イノベーションの採用速度を左右する知覚属性の１つとして、両立可能性についても言及しています。

両立可能性とは、イノベーションが既存の価値観、過去の体験、そして（潜在的）採用者の必要性と相反しないと知覚される度合いのことです。

CDJがもたついている間に、PCDJがあっという間に広がった理由はこの両立可能性で説明可能です。

音源はPCに移管しつつも、アナログレコード+ハードウェアミキサーという既存の世界観、操作体験を否定せずに新技術と共存させることによりユーザーにイノベーションのスムーズな採用を促しました。

加えて、PCDJの両立可能性は慣れた操作感を踏襲することだけではありません。

大袈裟かもしれませんが、レコード+ターンテーブルから、CD+CDJへの移行はDJにとって資産の放棄を意味します。

血眼になって買い集めてきた希少なレコードは、他のDJに対して優位性をもたらしてくれます。

DJにとって重要な経営資源であるレコードの放棄は、必死で貯金してきたのに、突然貨幣の価値が無くなってしまうようなもの。

そうやすやすと受け入れられるものではありません。

いわゆる「既得権益を守る」という言葉がぴったりな気がします。

「既得権益ヲ放棄セヨ」なんて主張するのであれば、ちゃんと「のりしろ」を用意しないといけません。

まあ、これが難しいんですけどね。

Scratch Live などのPCDJシステムは従来のレコードとも共存可能でした。

CDJ敗北の背景には、この「のりしろ不足」があるのだと思います。

大学に入学して初めてillustratorを開いたとき、ウインドウに列記されたフォントのどれを選べばよいものか唖然としたのを今でも覚えています。

高校以前はPCでプリントアウトとかしたことがなかったので、フォントとの出会いは大学1年生の時でした。

そういう意味で、私が人生で初めて使ったフォントはOsakaだったと思います。

OSはMac OS9だったので、もう、そのまんま 笑

それはさておき本題ですが、私が今まで出会った中で最も内容がよかった欧文書体の本を2冊紹介したいと思います。

紹介したいのは、小林章氏の「欧文書体―その背景と使い方」と「欧文書体 2 定番書体と演出法」の2冊です。

2冊と言いましたが、シリーズになっているので一括りと考えてもいいでしょう。

これは以前からずっと紹介したいと思っていました。

目次だけでは内容はなかなか伝わらないとは思いますが、構成としては以下のようになっています。

欧文書体　その背景と使い方
第1章　文字のなりたち
第2章　欧文書体を知る
第3章　欧文書体の選び方
第4章　欧文書体の楽しみ方
第5章　欧文書体の作り手から
第6章　これから学ぼうとする方に

欧文書体2　定番書体と演出法
第1章　フォント演出入門
第2章　定番書体徹底解剖

著者の小林章氏はタイプディレクターであり、欧文書体にかけてはおそらく日本で最高の人物です。

代表作として、AXISフォントやヒラギノ明朝の従属欧文は身近なところ。

また、もはや（私の中で）生きる伝説となったアドリアン・フルティガー氏やヘルマン・ツァップ氏と組み、Avenir や Optima、Palatinoの改良版やZapfinoのファミリー拡張なども行っています（Avenir next,Optima nova, Palatino nova, Zapfino Extra）。

ツァップ氏に「私の右腕」と言わしめた実力者が小林章氏であり、日本人として誇らしく思います。

フルティガー氏の代表作は、名前そのものであるFrutigerに加え、Avenir、Univers、OCR-B、Vectora などがあります。

Frutigerはその見やすさからプロダクトデザイナーにとって切っても切りはなせない書体です。

サインシステムにも多く採用されるなど、超定番書体なのでほぼ毎日見かけます。

表参道 おもてさんどう : 新ゴ / Omote-sando : Frutiger / C04 : Futura

毎日目にすると言えばFrutigerの上をいくのがOCR-Bで、バーコードの下に書かれている数字やISBNコードなどの書体がこれです。

OCR-Bは読み取り装置が間違いなく読めることを念頭においてデザインされた書体だそうで、普段あえてこの書体をデザインに使うことはないと思いますが、アルファベットより数字の背を高く設定するなどの工夫があり、こういった機能的な側面から書体をデザインしているのかという感動を覚えます。

フルティガー氏あってこその物流システムではないでしょうか。

次にツァップ氏ですが、その代表作としてはOptima、Palatinoそしてこれも名前が入っているZapfinoなどがあります。

ツァップ氏の代表作はMacユーザーであれば馴染み深いものかと思います。

尚、Zapfinoには Mac OSにバンドルされていない Zapfino Extra(4種) というファミリーがあり、「欧文書体 その背景と使い方」では、それらを混ぜて組むことでテンポをつけ、より魅力的に見せる例が紹介されています。

これを見て、それ以前あまり興味のなかったスクリプト体に一気に惹かれました（下の写真は Zapfino Extra One）。

前述した書体はもちろんのこと、この2冊で基本的に知っておきたい書体はほぼ網羅されており、ただの見本ではなくきちんと各書体に解説がなされています。

私がこのシリーズの一冊目を手にとったのは4、5年前になりますが、その時に初めてOSにバンドルされている書体のありがたみに気付きました。

OSを入れた時点で、和文に比較すると欧文は割と充実しています。

むやみに質を問わずに書体をかたっぱしからインストールするのではなく、まずは手元にある書体をきちんと理解して目的に応じて望ましい書体を選択できる力を身につけることが大切だと感じます。

これらの本のいいところは、書体を「好き / 嫌い」以外の判断軸で選択できるようになることであり、用途から書体に必要な条件を考え、書体見本からそれに適した書体を選び取る力がつくようになることだと思います。

尚、欧文書体を使うにあたっての基本的なルール（やってはいけない）に関しても指摘されて初めてわかることが多く、参考になります。

スクリプト体を大文字だけで組まないというのを始め、間抜け引用符「”」や合字の話、イタリック体の正しい使い方やダーシとハイフンの使い分けなど、ここで指摘されているNG例はよく見かけることもあり一般的には全く認知されていないことと感じます。

この本を読んで書体への愛着が湧かないデザイナーはまずいないのではないでしょうか。

省エネは従来、「お財布にやさしい」という単純明快でわかりやすい論理だったはずですが、近年の環境意識の高まりにより「CO2排出量削減」という壮大な大義名分を得ました。

両者のウエイトは時代の流れとともに、少なくとも表面上は完全に逆転していると言えます。

TV番組を見ていても、例えば店舗の照明をLEDに変更することで省エネを進め、CO2削減に貢献しているアピールがよく見られますが、あれはミクロな視点で見た省コスト化を達成しているに過ぎません。

省エネはCO2削減に直感的には「効果がありそう」なので、企業にとっては省コスト化に加えて企業のイメージアップというおまけがついてくる、いわばおいしい取り組みです（開発側に苦労があることは重々承知）。

省コスト化に過ぎないと書いたのは、本当の省エネに関して需要家側、つまりエネルギーの受け取り側の個別の取り組みではどうしようもない部分が多いように感じているからです。

これからその理由を詳しく述べます。

まず、個人の省エネ活動でできることを大まかに二つに分けてみました。

ひとつが、我慢する省エネ。

そしてもうひとつが、エネルギー効率を上げることにより達成する省エネです。

順に見ていきます。

• 我慢する省エネ

まず、我慢する省エネ。

これは例えば「暑いのを我慢してエアコンを切る」といった行動です。

これは、「お金がないので節約する」といった動機なら素直でわかりやすいですが、環境のためという理由で社会全体に強要するのは不可能でしょう。

「エコだ」といって我慢することで精神的満足が得られるのは既に豊かな生活を享受している人間に限られます。

A.H.マズローが欲求五段階説で論じたように、高次の欲求を抱くためには少なくとも一度、低次の欲求が満たされていなければなりません。

我慢するエコはマズローの言う高次の欲求にあたると考えています。

生理的に満たされていなかったり、それが満たされていても社会的に不安定な状況におかれている人間には、地球のことを考える余裕などないはずです。

過剰な自然帰化や我慢を周囲に押し付ける行為は豊かな人間のエゴであり、道楽でしかありません。

これは豊かな人々が各自ひっそりと楽しむのがよいと思います。

エネルギー消費を我慢して抑えることをおおっぴらに薦められないのは、現在の社会規範で考えた「豊かさ」がエネルギー消費と密接な関係があるからです。

実質GDPの伸びは電気の需要と比例関係にあり、少なくともこれまではエネルギー消費の増大が経済的発展をもたらしてきました。

エネルギー消費の減少はそのままマイナス成長となる懸念があります。

この点で、我慢する省エネは現在の社会規範においては社会の進歩とは言い難く、現実的ではありません。

• エネルギー効率を高めることによる省エネ

では次に、エネルギー効率を高めることによる省エネですが、これも期待できません。

需要家単位では効果がありそうですが、マクロな視点で見た場合、エネルギー効率が上がるとその価格は低下し、それに伴いエネルギー需要は増大、結果的にエネルギー消費は増えます。

悲しいですが、社会全体のエネルギー効率「だけ」が高まるならば、CO2排出量は削減どころか増加します。

エネルギー効率を高めることの目的設定は、省エネではなく効率的なエネルギー使用による経済発展と言った方が的確だろうと考えています。

• 理想的な手段は何か

経済発展を促進するにはエネルギー消費量は増えなければならないので、CO2削減と両立したいのであれば、結局のところ環境へのインパクトが小さい原子力発電をベースとし、脱化石燃料（特に石油）を推進する他ないと思います。

極論というか理想論、仮にすべてのエネルギー需要をクリーンエネルギーのみでカバーできたならば、エネルギーをどれだけ使用してもCO2排出量や資源の枯渇という点では何の問題もないはずです。

太陽光や風力は発電効率と必要な土地の観点からこれらをベース電源とするのはありえない話だと思いますが。

現実的には、電力需要は季節により異なることや一日単位で見ても大幅な増減があることから、確実に必要となる分の需要を原子力発電で担い、変動部分に対応するエネルギーは環境へのインパクトとコスト面から考慮するのが妥当なところです。

原子力発電は、そう簡単に発電したり止めたりといったことが出来ないため（発電開始まで2日程度）、需要の変動部分への対応は困難なので別の手段を考えなければなりません。

ちなみに火力発電は2〜3時間程度で発電可能、水力発電に至っては数分で最大出力にすることが可能です。

どうしても需要の変動部分を化石燃料に頼らなければならないのであれば、需要の平準化（上下幅を極力小さくすること）は結構大きな鍵となると考えられます。

巷を騒がすスマートグリッドが実現すれば、発電所から見た需要変動幅は小さくなるのでは、と私は期待しています。

時間帯により異なる価格設定と、需要家同士の電力のやりとりが考えられるためです。

電気自動車（EV）を例にとります。

あるところにEVに乗っている会社員のAさんがいました。

Aさんは自分のEVを、需要が少なく価格も安い夜間電力で寝ている間にフルチャージします。

翌朝、そのEVで会社に出かけますが、自宅と会社の往復だけしか乗らないと考えれば、基本的にEVに必要な電力はその往復分しか必要ありません。

会社には電力網に接続された駐車場があることを前提にすると、夜間にフルチャージした安価な電力を、帰りに必要な電力を残して売ることができます。

もちろん、日中の需要が多く価格の高い時に売るわけですから、その価格差で利益を得ることができる、といったかたちです。

このような仕組みが実現すれば、発電所から見た見かけ上の電力需要は平準化すると考えられるというわけです。

• 肝心なのは一次エネルギーが何かということ

話を少し戻して、エネルギー消費量の増加を自然なこととして受け入れてしまうならば、肝心なのは「一次エネルギーが何か」ということです。

燃料電池は水素を用いるのでクリーンだというイメージが先行しているように思いますが、水素は二次エネルギーなので、燃料電池のクリーン度は結局のところその水素をつくるために用いた一次エネルギーが「何であったか」に依存します。

電気も水素と同じ二次エネルギーなので、「水素だからクリーンだ！」というのは「電気だからクリーンだ！」と主張するのと同じことだと思います。

EVも同様に、「電気だからクリーンだ！」というのではなく、その電気がどうつくられたのかを考えなければ意味がないと思います。

CO2を道路上で排出するのか、発電所で排出するのかの違いにしかすぎません。

• 脱石油社会

省エネを取り巻くさまざまな目的を整理し、あえて単純化するのであれば、「脱石油」にまとめることができると考えます。

地球温暖化には諸説あり、私にはまるで真実が見えませんが、たとえ地球が温暖化していようとしていまいと、温暖化の原因が人為的であろうとなかろうと、脱石油だけは目標として正しいと思います。

地球が温暖化していない場合、もしくは温暖化の原因がCO2でない場合は、CO2排出量削減はあまり意味のないものとなってしまう可能性がありますが、しかしそれでも、採掘可能地域が政治的に不安定で価格の変動が大きな国に偏っている石油から、世界各地で採掘可能で埋蔵量も抱負な石炭や天然ガスへシフトすることには価値があると思います。

また、石油に比較すれば石炭や天然ガスはクリーンだと言われています（石炭は液化して利用することで比較的クリーンに）。

長期的にはそれらへの依存も減らしていくことがいいのかなとも思いますが。

加えて、世界全体で脱石油化が進めば産油国の歪んだ産業構造の変化も促します。

詳細は長くなるので割愛しますが、たなぼた式に手に入る石油を売っていればお金が手に入る社会は不健全なものとなりがちで、言論の自由、報道の自由、政府の透明性、司法の独立や女性の地位向上といったこと全てが阻害されますし、豊富なオイルマネーはテロ活動の資金源でもあります（テロを悪とした場合）。

天然資源が抱負にあることが国の経済と政治に悪影響を及ぼす可能性は昔から指摘されています。

何もしないでお金だけは手にはいるのですから、活力は失われ、国内の産業が育つはずもないのです。

民主主義や自由主義の良し悪しは置いておくとして。

ラーメンマニアはいても、うどんマニアや焼きそばマニア、そうめんマニアは知りません。

どうしてラーメンは人を惹き付けるのか。

食べ物で激戦区を形成する力があるのはラーメンぐらいでしょう。

ラーメンが他の麺類に圧勝した理由を真面目に考えてみました。

まずはとっかかりとして、私は「麺・スープ・具」からなるラーメンという形式に、「五・七・五」からなる俳句という形式を重ねました。

形式には大衆文化を形成する力があるはずです。

形式には程よい自由と制約（規制）がそなわっている場合が多いように思うことが理由です。

西部邁氏は、自由という価値と、規制という規範の平衡に活力があると論じました。

その概念図を著書「知性の構造」より拝借したものが以下です（一部改訂）。

規制なき自由は放縦であり、自由なき規制は抑圧となります。

自由の過剰も、規制の過剰も人間の精神を転落させるけれど、

両者の平衡、つまりバランスがとれていることが活力を生むということです。

「枠組みが、創造を誘発する」と記したのは榮久庵憲司氏でした。

平衡が生む活力により創造が誘発されるといってもよいと思います。

規制という規範は人々の中に尺度を形成し、その尺度でもって対象の比較や評価が行えるとすれば、大衆（素人）でも「わかる」ので評価しやすく、参加もしやすい。

このことが文化の形成に繋がっていると言えます。

俳句という文化は、「五・七・五」だけでは人々はどうしたらよいのか「わからなかった」かもしれません（わかったかもしれないけれど）。

しかし、「季語」などの更なる制約（規制）が加わることで、それは「型」として創造を後押しする力となるとともに、評価のための尺度となります。

「型」と照らし合わせることで評価可能となるのだという考えです。

また、「型」により誰が詠んでも「それらしく」なることは重要です。

俳句は自由が担保する表現の可能性と、制約が担保するハードルの低さが絶妙なバランスにあったのだと思います。

仮に規制が過剰であったならば、それは抑圧でしかなく、残るものはテンプレートでしかなくなるでしょう。

このテンプレート、つまり抑圧の対極に位置するものが一部の芸術なのだろうと思いますが、それは自由の過剰ゆえ、大衆（素人）にとっては尺度を持つことが困難であるため評価不能となります。

何かしらの魅力は感じれど、「私にはよくわかんないや」という声が聞こえてくるのは恐らくこのためです。

はっきり申し上げて、ジョン・ケージなどの現代音楽は私にはさっぱりわかりません！

試みが新しかったり、斬新なことだけはわかるのですが、基本的に理解不能です。

そして恥ずかしながら、絵画の良し悪しも感覚的な好き嫌いでしか判断できません・・・

さて、自由と規制の平衡からくる活力により創造が誘発されると書きましたが、自由もしくは自由の過剰に芸術を位置づけるとなると、芸術における創造の誘発の説明がつきません。

私は芸術家ではありませんし、想像の域を脱することかないませんが、その自由の過剰を打ち消すほどの強力な自己への抑制（それが何かはわかりませんが）を持って精神の均衡をとっているのだろうと思います。

創造性と精神病の関連性は、誰しも噂レベルでは耳にしたことはあると思います。

断定はできませんが、以下、精神科医の方が書いているとおぼしき興味深い記事ネットクリニックより引用させてもらいます。

精神分裂病

ゴッホ（非定型精神病）、ニーチェ（分裂病）、ヘルダーリン（分裂病）、カフカ（分裂病）、フローベール（てんかん）、ワーグナー、夏目漱石など精神分 裂病を患った天才は、枚挙にいとまがありません。

ムンク（分裂病）は幻覚そのものを『叫び』に描いています。ドストエフスキーはてんかんの体験を『白痴』 に詳しく書いています。

迫害妄想に苦しんだルソーは、人権の思想を生み出しました。
分裂病圏の人は、臨床的な発病前の時期に、「真の存在」との出会いへの強い意志と激しい情熱が認められることがしばしばあります。

彼らにとって、創造行為とは死を賭した冒険なのです。

創造行為は分裂病の発病状況の一つです。

想像の冒険の旅に出る芸術家には、創造行為は自己破壊の危険を覚悟した、果敢な真の存在追究の試みなのです。

「私が愛するのは、自分自身を超えて創造しようとし、そのために破壊する者だ」——ニーチェ『ツァラトゥストラかく語りき』

気分障害

Jamisonがイギリスとアイルランドの少なくとも一つの賞を取った詩人、小説家、芸術家47人を面接したところ、38％が感情障害の治療歴を持って います。

また、軽躁状態（高揚状態）の時に高い生産性が発揮されるようです。

芸術家は感情障害のハイリスクを持ち、自殺の危険性が高いと共に、気分障害が 創造性の発現に寄与しているようです。

人格障害　 Postが291名の世界的著名人を調べたところ、人格障害の基準（DSM-III-R）を満たす者はいなかったものの、人格障害の傾向が見られる者は、 作家では90％、科学者では50％弱であったという。

クラスター別では、引きこもりがちで臆病といったC群が38.9％と高かった。

彼らがもともと病んでいたかと言えば、決してそうではないと思います。

病んでいたから高い創造性を発揮したのではなく、圧力の高すぎる創造性が精神を崩したのではないでしょうか。

100gの自由と100gの規制が天秤の上でバランスを崩しても、大したことではないでしょう。

しかし、1tという重圧で精神のバランスを保っていたとしたら、そのバランス崩壊の衝撃と反動は恐ろしいものだということは想像がつきます。

「創造行為は自己破壊の危険を覚悟した、果敢な真の存在追究の試みなのです。」

この言葉は真実なのだと感じます。

話を戻すと、要は、自由と規制の平衡にある形式は人々に活力を与え、創造性を誘発する。

自由は表現の可能性を担保し、成果物のバリエーションという楽しさをもたらす。

規制は評価の尺度をつくるとともに、ある種の「型」として働くので誰もが参加しやすく、大衆化する。

これを踏まえると、俳句の大衆性も、ラーメンの大衆性も合点がいった気がします。

うどんやそうめんも文化として定着しているもので素晴らしい食べ物だと思いますが、ラーメンとの比較においては構成要素の自由度が低いことが敗因だと言えます。

高い完成度を誇るものの、自由度が低いため、ラーメンほどの活力という熱は見当たりません。

あくまでものごとの一側面を切り取るに過ぎないことは重々承知の上で言いますが、裏を返せば、何かを大衆化し文化として定着させるためには自由と規制の平衡というのは一つの方法論です。

そういった視点で見ると、歴史の浅いラップミュージックが急速に勢いをつけ、今ではビルボードの上位に当たり前のように食い込んでいることも、2ちゃんねるが最早それ抜きには日本のネットカルチャーを語れないほどになったのも説明できるかもしれません。

ラップという形式を成立させているのは韻を踏むという制約であり、2ちゃんねるという形式を成立させているのは、特定のタイミングで特定の言い回しやAAを用いるという（柔らかな）ルールです。

この「型」に則ってさえいれば、「それらしく」なるところがポイントでしょう。

ブログの「型」やTwitterの140文字制限も同様だと思っています。

成功した事例をとりあげて、「これはそうだ！」というのは後ろめたいのですが・・・

「道具は道の具え、と書かれている。道の具わりたるを、道具というのか。」

榮久庵憲司氏は、その著書、道具論にそう書き記しています。

身の回りの「具」を「ぐ」ではなく「そなえ」と読んでみることで、日常の世界が大きく深く広がっていくのを感じます。

道とは、そもそも道路のことを指していました。

しかし、もともとは道路を意味していた「道」という概念が、荘子学派により、人生の目標に到達する道程、方法へと抽象化されていきます。

中国では、抽象概念として道路の類比として成立した「道」の修道に具える、道具という熟語はもっぱら仏道において用いられた。

もとは五具足、というように仏道の修道に具えられたるものを具といった。

仏道の道と、その具えとがひとつになって道具となったのである。

日本では、仏道の具え=道具の語は、たちまち諸々の道の具へと応用される。茶道の具えが茶道具、というように。

○○道具、例えば、大工道具を、大工/道具という認識で分割をしていなかったか。

確かに、「大工」と「道具」というそれぞれが熟語として強く定着しているので、その分割の仕方に、私自身全く違和感なく暮らしてきたわけです。

試しに、大工道/具という分割線の引き方で改めて大工道具を捉え直すとどうでしょうか。

大工道の具わりたるを大工道具、ということになります。

料理道の具わりたるを料理道具、ということになります。

認識の分割線の引きどころを1文字ずらす。

たったそれだけで、モノが小さな世界から解放され、未知なる無限の世界観をかたちづくってしまうような、そんな感じがしています。

道の具わりたる道具を敬する、職人と呼ばれる方々の、仕事道具に対する感覚がわかります。

日本の料理人は庖丁づかい、料理することを料理道、ないし庖丁道として捉えている。

庖丁は文字どおり道の具えであるから、日本の料理人は自分の庖丁を持つ。

自分で研ぎ、手入れをして大事にしている。

道具を敬して自己実現を遂げているのである。

日本の、日本の、と断りを入れているのは、西洋の料理人には、庖丁へのこだわりは無いのである。たとえばフランスでは、三ツ星級レストランの厨房でも、研ぎ屋がまわってくると庖丁を束にして渡す。

研いであればいいのであって、どれが誰の庖丁ということはない。

もちろん西洋料理と日本料理では庖丁づかいがおおいにちがう。

日本料理では庖丁わざが問われる。

けれども自分の庖丁をもち、それを命とまで敬することとは別の事柄である。

道具を尊敬し、敬意をもって扱う、という精神があるか無いか、の問題であって、日本の料理人は庖丁を敬することのできる人たちなのである。

フランス料理は技術であって、日本料理は道であり、庖丁は料理道の具え、道具、なのである。

何故日本人は道具を尊敬し、敬意をもって扱うことができるのか。

何故西洋にはそういった感覚が芽生えることがなかったのか。

その答えは、「道具」の「道」に隠されています。

一部引用しますが、詳しくは、内田樹氏の日本辺境論を併せて読むことで、知ることができるはずです。

「道」は教育方法としては卓越した装置であるが、それは、（誰も見たことのない）「目的地」を絶対化するあまり、おのれの未熟、未完成を正当化してもいる。

つまり、「わたし」は未熟、未完成であり、「目的地」へと続く道を具えたる道具に対し、常に「わたし」<「道具」という関係が成り立つというわけです。

日本人は、道具が「わたし」を「目的地」へと導いてくれる、という捉え方をしていた。

だから、道具が敬意をもって扱うべきモノとなったのではないでしょうか。

〜用品とは言えど、〜道品とは決して言わないことが、用具とは違い、道具をただの品物としては捉えていないことの現れでもあるという気がします。

道具という言葉があてはまるモノは、総じて、直接的であり、使用者とのインタラクションが強いと言えます。

良くも悪くも、使い手の意思と能力をそのままのかたちで引き出してくれるのが道具であり、各々の道を作り出し、遥か先の「目的地」へと導いてくれる存在なのでしょう。

面白いことに、道を外れた使い方をすることは、文字通り、道を外れたモノになるようです。

道を外れた使い方をした武道具は武具、武器へ。

望ましい使い方を続けることで、モノは人に生き方を与えてくれる気がします。

兵器にいたっては、「兵具」という言葉はありますが、ほとんど耳にする機会はありません。

「道」には程遠く、非人道的なあり方でしか、存在し得ないことの証明のように思います。

願わくば、私自身の使うモノが、「仕事道具」と呼べるモノであってほしいし、そういう使い方をしていけたら幸いです。

今年の上半期の個人的課題に、と考えていることです。

必ず、目的とそれを達成する手段を1対1で考えること。

目的というより、デザイン上の課題といったほうが適切かもしれません。

これが（私にとって）なかなかやっかいで、意識しないとなかなか出来ません。

昨年の個人的反省として、デザインの過程で発生する複数の課題をまとめて一手で片付けようとしたがために、袋小路に入り込んでしまったことが何度かありました。

複数の課題が、アイデアで（一度に）満たすべき要件に変化した途端、確実に、いくつものアイデアがアウトプットされないままに脳内で破棄されてしまいます。

裏を返した言い方をすれば、課題(要件)が複数存在する場合、それぞれを一度切り離して考えるべきで、満たせない部分については、後で考えれば良い（=独立した課題として順に解決してゆくべき）と考えています。

「順に」考えるということは、それぞれの課題に優先順位を与えることに他ならず、「気づいた時には大切にしたいポイントから踏み外していた」という事態は回避できます。

デッドラインが近づけば近づく程焦りが先行してしまい、まとめてやっつけてやろうという態度に陥りがちだということを自覚し、一度このことを試行してみるつもりです。

少なからず、問題解決型のデザイン上は有効であろうという気がしているからです。

「この課題に対してはこう、（別の）この課題についてはこう」という考え方は、結果的に人に理由を説明する際にも非常にシンプルかつ明快ではないでしょうか。

「N個の独立した目的を達成するためのN個の独立した手段」というのは、オランダの経済学者であるヤン・ティンバーゲン（第一回ノーベル経済学賞受賞者）が見出した経済政策に関する命題「ティンバーゲンの定理」に関連があります。

ティンバーゲンの定理とは、「（相互依存している経済で）複数の目標を同時に実現するためには、 独立した政策手段を目標の数と同じかそれ以上の数用意しないかぎり不可能である。」というもので、問題解決に当たり、ある程度一般化できるのではないかと考えています。

これについて、私自身、現時点で深く理解しているわけではないですが、追いかけてみると面白そうだという予感があるので、今後探っていきます。

一つの手段により、あれもこれも解決しようという欲を捨て、目的を絞る重要性は、常日頃あちこちで語られているはずで、池田信夫氏の言葉を拝借するならば、複雑な問題には、「これひとつ解決すれば他の問題もみんな解決するという、ボーリングの1番ピンはない」ということを肝に銘じておく必要があるはずです。

また、経済政策論における目標と手段に関する理論として、ティンバーゲンの定理とともに語られることの多い、マンデルの定理「ある目標の達成のためには，相対的に最も有効な手段をその目標の達成のために割り当てるべきである」もまた、デザインにおける目的と手段に照合していきたい内容です。

当たり前の話に聞こえますが、この定理の背景には、副次的な効果を頼りにしない、ストレートでシンプルな思想を感じます（あくまで個人的解釈による）。

つまり、それぞれの課題のために独立した手段を割り当てるという考え方によるデザインは、「〜のために、形はこう」「〜のために、色はこう」「〜のために、素材はこう」「〜のために、インターフェースはこう」という気持ちいいぐらい明快な語り方になりそうだ、ということです。

最終的には難しいかもしれませんが、入り口としてはこれぐらい潔い考え方に魅力を感じます。

ここまで非常に抽象的な話のみでしたので、上記二つの定理の適用に関して、考え方の道筋の例（中国の経済政策に関して）を中国経済新論より、以下に引用しておきます。

複数の目標が存在するときの経済政策のあり方を考えるときに、ティンバーゲンの定理とマンデルの定理が基本となる。

１）ティンバーゲンの定理：複数の独立した政策目標を達成するためには同じ数の政策手段を必要とする。

２）マンデルの定理：政策の諸手段は、それぞれが最も効果を発揮する政策目標に対して割り当てられるべきである。

一 例として、固定為替相場制の下で完全雇用（国内均衡）と国際収支の均衡（対外均衡）を同時に達成するためには、ティンバーゲンの定理に従って、財政政策と 金融政策という二つの政策手段を使わなければならない。その中で、マンデルの定理に従って、財政政策は国内均衡、金融政策は対外均衡に、それぞれ割り当て た方が、もっとも効果的である。

現在、中国はマクロ経済の安定と、効率の悪い企業・産業を保護するという二つの政策目標を目 指しているが、ティンバーゲンの定理に従えば、為替政策という一つの手段だけでは、両方を同時に達成することはできず、他にもう一つの手段が必要であるこ とになる。また、マンデルの定理に従えば、為替政策はマクロ経済の安定に割り当てるべきであり、所得分配や構造問題の解決は制度改革に求めるべきである。

今の日本の政策を見ていく上でも、良否の判断基準としてもっておくと良いかもしれません。

幸多き新春をお迎えのこととお喜び申し上げます。
昨年は大変お世話になりありがとうございました。
皆様のご多幸を心よりお祈り致します。
2010年　元旦

あけましておめでとうございます。

管理人@実家でゆるりです。

社会人最初の一年が終わり、このブログも開設して無事一年が経過しました（よかった！）。

過去のエントリーを振り返ってみましたが、このブログの方針をきちんと書いていませんでしたので、この機会に新年の抱負と併せてまとめておこうかと思います。

• H2O MAGAZINE 開設の理由

プロダクトデザインの情報ソースとして、RSSリーダーに登録し、日常的に見るようなサイトが圧倒的に少ないように思いました。

デザインという枠組みで見れば、WEBデザイナーによるWEBデザインの情報サイトは無数にあります。

（WEBデザイナーのサイト開設率が異常に高いだけかもしれませんが。）

おそらくその次にグラフィックデザインでしょう。

見渡してみれば基本的にTips&チュートリアルがほとんどではありますが、そこにそれだけ需要があることの証明でもあると思います。

これについては、当サイトでもアクセスランキングの上位にくるエントリーがTips系になることで、実感としてあります。

学生だった約一年前、プロダクトデザインについて、出版される書籍も少なく、面白そうな展示会はほとんど東京、という中、WEB上での情報量も少ないことから来る不満がきっかけでした。

• H2O MAGAZINEの方針（兼抱負）

デザインではありませんが、池田信夫Blog、極東Blog等、歯ごたえのあるエントリーでかつ頻繁に更新している方々、分裂勘違い君劇場のように、更新頻度こそ低いものの、毎回群を抜いて刺激的で面白いエントリーを書く方がいることを思えば、自分が普段いかに何も考えず過ごしているか、言葉にするのに、いかに時間がかかり過ぎているかを思い知ります。

考えているつもりでいて、頭の中であいまいなままの考えや着想をそこで止めてしまっていることが多いのでしょう。

今現在、更新頻度はお世辞にも高いとは言えませんが、一定レベルの思考を吐き出すスピード感としては、上記ブログのスピード感を目標値として定めています（いつになるやら）。

それぐらい思考を研ぎ澄ませ、新陳代謝を高めていきたいと。

はやく書きたいけれど、仮説はあるけれど、なかなか整理がついていないテーマは多々あり、それらを通じ、仮説を確信をもって語れるレベルにもっていく大変さを痛感しています。

それらを次々と吐き出せるようになったとき、成長できた手応えの一つになるはずです。

サイトの、所謂デザインについては、更新できないと放置している印象がでてしまうことを危惧していたので、「更新してそう」「中身つまってそう」に見えるよう意識しておいたことは功を奏していると信じています　笑

内容は、Tipsや資料的なものは挟んでいきますが、そのウエイトは徐々に、自分の思考を吐き出すかたちにシフトしていきたいと思います。

今年が良い年になるといいですね。

｢ダイエットすると言って、脳みそから減らしている。｣

これは、テレ朝で紹介された、事業仕分けを見学したある女子高生の感想です。
「たとえが秀逸だ」ということで、はてなブックマークの人気エントリーに上るほど盛り上がっている様子。

ものの見事に多数の共感を得たこのたとえに、素直に「凄いな」と感心させられました。

事業仕分けに関する批判（仕分けをするという取り組みではなく、あくまでもその手法に関して）は至る所で見られます。

しかしそんな中で、何故このたとえがここまでの共感を集めたのか、「秀逸だ」とされる点はどこにあるのかについて、私の考えを書いていこうと思います。

• 関連づけ—翻訳—驚き

｢ダイエットすると言って、脳みそから減らしている。｣
私は、このコメントが、デザイナーとして必要な能力を暗に示していると感じています。

その能力とは、メタファーを用いた翻訳能力。
この「翻訳」に関して、ジョン・マエダ氏は、著書「シンプリシティの法則」で、以下のように述べています。

デザインは、関係づけるという人間の本能を強化することによってはじまり、つづいて、関係を実態のあるモノやサービスに翻訳し、それから、見る人の努力を無駄にしないよう、最後にちょっとした驚きを付け加えるのが理想だ。
こうしたステップを略記するとこうなる：関係づける—翻訳する—驚かせる！

今回の女子高生のコメントが秀逸だとされる理由は、この、「関係づける—翻訳する—驚かせる！」という一連の流れが見事に上手くいっていることで説明できます。

そのことにより、よくデザインされたモノを見た時と同様の感動を、このコメントからも感じさせられるのです。

この女子高生のコメントを受けて、
http://2dimension.blog59.fc2.com/blog-entry-1331.html
には、以下のようなコメントがついています。

PCが重いからと言ってC:WINDOWSを消すようなもの
という例えを温めていたが、遠く及ばなかった。

この方が、「遠く及ばなかった」と感じた理由は、恐らくは、「関係づける—翻訳する」という点において、親近感の湧きにくいメタファーを選択してしまったことにあるのではないでしょうか。

また、以前「コピーライターに学ぶコンセプトメイキングでやってはいけない事」というエントリーで、「コピーは嘘をついてはいけない」ということを具体例をとりあげましたが、「PCが重いから」といって、「C:WINDOWSを消す」人間はまずいない点で、「コピーの嘘」になってしまったように思います。

｢ダイエット」で「脳みそから減らす｣ことも非現実的ではありますが、今回の仕分けでは、スパコンをはじめとする、科学技術関連事業や、教育関連事業に関する予算の大幅削減のインパクトが非常に強かったため、「科学技術、教育=脳みそ」という関係づけにおいて直感的に理解しやすかったことに加え、「脳みそからダイエットする」ことが、「嘘」ではなく「ユーモア」に置き換わったことが絶賛されている理由と考えられます。

• 翻訳能力とは具体的に言えば何か

ジョン・マエダ氏の述べた、「関係づける—翻訳する—驚かせる！」力は一体何に起因するのか。
それを考えるヒントが、外山滋比古氏の著書「思考の整理学」にあります。
以下の引用は、「関係づけ」と「翻訳」のプロセスであると考えています。

思考の整理というのは、低次の思考を、抽象のハシゴを登って、メタ化していくことに他ならない。
第一次的思考を、その次元にとどめておいたのでは、いつまでたっても、たんなる思いつきでしかないことになる。
整理、抽象化を高めることによって、高度の思考となる。
普遍性も大きくなる。
「抽象のハシゴをおりろ」と命じたのは、一般意味論である。誤解の多いコミュニケイションを救うには、抽象のハシゴをおりて、二次的、三次的情報を一時的情報に還元するのが有効である。

「関係づけ」のフェーズは、見た事象Aを脳内で抽象化し、その抽象を媒体として、別の具象Bと結びつけることだと思います。
一度抽象化すること(抽象のハシゴを上ること)ではじめて、抽象のハシゴを降りることができ、インプットされた具象とは別の具象へと変化させることが出来ます。
この流れは、「具象A→抽象→具象B」と表すことができますが、具象Aの要素を具象Bに適切なかたちで落としこむことこそ、「翻訳」作業なのです。

タイトルを「女子高生に学ぶデザイナーとして必要な翻訳力」としたことの核心は、「具象A→抽象→具象B」という流れにあります。

よくブレーンストーミングで用いられる、ポストイットに絞り出したアイデアをグルーピングし、コンセプト（やりたいこと）を抽出し、それを元に次のアイデア段階に移る流れは、正にこの流れではないでしょうか。

• 抽象的思考力を身につける

抽象的思考ができるようになるにはどうすればよいかについては、DESIGN IT! w/LOVE で、「メタ認知や抽象的思考ができない人が心がけ実践すべき3つの事柄」としてまとめられています。
項目としては、以下の3つが挙げられています。

・思考を文章や図にしてまとめるクセをつける
・あきらめずにむずかしい本を読む
・仕事のなかで自分で考え答えを出す

非常に面白い内容ですので、興味がある方は一度読んでみると良いかと思います。
最後に、「女子高生」に釣られた方、残念でしたごめんなさい　笑
それでは。

やや過激なタイトルかもしれませんが、「知らないのはもったいないよなあ」といった程度で受け止めてください。

黄金比や、それに関連するフィボナッチ数列、白銀比等はデザイナーにとって大変身近な数学なのですが、それらについては今回触れません。

むしろ、それ以外にデザイナーのアンテナにひっかけるべき数学の美しさ、魅力について取り上げていきます。

ちなみに、私自身、数学という科目が得意かというとむしろその逆ですから、それだけに、今回特別難しい話をするわけではありませんので身構えず読んでもらえれば幸いです。

• 心暖まる数学の世界

数学というと無機的でドライな印象を持っている方もいるかもしれませんが、そうではなく、心温まるようなトピックから入っていこうと思います。

友愛数という、異なる2つの自然数の組で、Aの自分自身を除いた約数の和がB、Bの自分自身を除いた約数の和がAとなる、特別な関係にある数の組み合わせがあります。

小説もしくは映画「博士の愛した数式」にも登場しますので、ご存知の方も多いと思います。

友愛数の中で、もっとも小さな組み合わせが、220と284です。

この、切っても切れない特別さが持つストーリー性を見せつけられては、反応せざるを得ないですよね。

結婚祝いとしてのギフトアイテムや、恋人同士のペアグッズなんかにピッタリじゃないでしょうか。

例えば、284mlと220mlのペアマグカップとか 笑

マグカップの容量としては250mlって結構ありますので、サイズ的にもバッチリ。

男性用がちょっと大きめ284ml、女性用がちょっと小さめ220mlとか、使用シーンを思い浮かべると微笑ましいです。

百貨店の売り場のお兄さんが、「実はね・・」なんて説明してくれたら、ひとたまりもなく買ってしまいそう・・という想像がとても楽しい 笑

ちなみに、友愛数を発展させた、異なる3つの自然数の組は「社交数」と呼ばれます。

もっと激しい名前に、「婚約数」というものもあります。

友愛数にかなり近いですが、異なる2つの自然数の組で、Aの自分自身と1を除いた約数の和がB、Bの自分自身と1を除いた約数の和がAとなるもので、一番小さな婚約数の組み合わせは48と75です。

熱いですね。

ここまでは他者(他の数字)との関係性の中にストーリーのある数字でしたが、

見事に自己完結してしまう数字もあります。

自分自身を除く約数の和が、その数自身と等しい自然数は、「完全数」と呼ばれ、小さいものから6、28、496、8128、33550336・・・と続きます。

さらに、自己完結について、別の捉え方をした数が存在します。

面白いですよ。

その名も「ナルシシスト数」

n桁の自然数であって、その各桁の数のn乗の和が、元の自然数に等しくなるような数を言います。

一桁の数字を除いて、一番小さい分かりやすい数が153です。

色々思いを巡らせてしまいますが、例えば153cmのスタンドミラー、googleで画像検索すると結構あります。

意図はしていないとは思いますが、意味深ですよね。

というか、意図していたら余計なお世話？笑

• 数学者の美意識とデザイナーの美意識

ここからは、数字単独の話ではなく、数学そのものの話になっていきます。

ここで何が言いたいかというと、デザイナーが、素晴らしいソリューションに出会ったときに抱くであろう感動の感覚と同様の美しさ、スマートさを、数学の証明に感じ取ることができるということです。

早速話に入りますが、その最たるわかりやすい例が、義務教育過程の中で誰もが習う「三平方の定理」の証明です。

以下、心に響く解説をWikipediaより引用。

数学者は数学の証明方法において特に華麗さを評価する。 これは次のような文脈に依存する意味を持つだろう。

・最小限の既知事実や付加的仮定を使用した証明
・異常に簡潔な証明
・驚愕的な方法により結論を演繹する証明 (例えば、一見無関係な既知定理を用いた証明)
・新しい独自の洞察に基づく証明
・類似の問題群を解くための一般化が可能な証明方法

解法の美：多数の手段の中の美の発見

華麗な証明を模索する中で、数学者はしばしばある結論を証明するための複数の独立な方法に出会うが、最初に発見された証明方法が常に最良とは限らない。

おそらく最も多数の証明方法が知られている問題の典型例は三平方の定理であり、これまでに数百もの証明が公表されている。

解法の美は、 この定理の証明にもいくつか見られる。

上の図によれば、もはや文章や数式などを付与する必要は全くなく、図のみからその定理の成立がわかる。

簡潔であるとともに説明の必要無しに直感的な理解を形成する典型例であり、上で列挙した五つの華麗さのうち少なくとも最初の四つを具備する。

非常に多くの証明方法が見つかっている他の例として平方剰余の相互法則を挙げることができ、カール・フリードリヒ・ガウスによりこの定理に対して8個の異なる証明が公表された。

逆に、論理的に正しいが膨大な計算量を要するような結果、念入りすぎる方法、大変に平凡なアプローチ、あるいは非常に強力な定理や既知の結果を多数使用する証明方法は通常は華麗とは看做されないし、醜悪とか不器用と評価されるかも知れない。

ここまで読んでいただければ、先に述べた、「感動の感覚」を三平方の定理の証明の中に感じてもらえたと思います。

もうひとつ、ここで言われる「解法の美」というのは、デザイナーにとってみれば、「ソリューションの美」であり、「アイデアの美」でもあると考えられます。

「解法における5つの華麗さ」においては、難しい言い方がされていますが、良いアイデア、良いデザインとはすなわち、

・最小限のデザイン
・（異常に）簡潔なデザイン
・驚愕的な方法により（スマートに）目的を満たすデザイン (例えば、一見無関係な要素が効果的に結びついた発想)
・新しい独自の洞察に基づくデザイン
・類似の問題を解決するためのデファクトスタンダードとなり得るデザイン

と言い換えることができます。

デザインと数学の架け橋が、黄金比や白銀比、フラクタルのように、かたちに表すことができる点においてのみならず、根底的に方法論に対する美意識という点で一致していることは、結論だけ見れば当然のようにも感じられますが、とても興味深いことではないでしょうか。

数学者の美意識には、「美しいものは正しい」という美意識が存在するようで、それにまつわる話を少し書きます。

「フェルマーの最終定理」という、350年間未解決だった問題が解かれ、一時期大変話題になりました。

この「フェルマーの最終定理」を解くために重要な役割を果たしたのが「谷山=志村予想」と呼ばれる予想であり、「谷山=志村予想」を解くことが、自動的に「フェルマーの最終定理」を解いたことになるというものでした。

実は、この「谷山=志村予想」というのが大変エレガントな予想で、あまりに美しいために、数学者に、「こんなに美しい予想が成り立たないのであれば数学をやめる」とまで言わしめたそうです。

「美しい」=「正しい」というのは、論理的には何の説得力も持たないはずなのですが、そんなことはどうでもよくなってしまうぐらい、ぐっとくるものがあります。

「美しい」=「正しい」は真であってほしいですし、これが偽である世界だとしたら、デザイナーやめてやる！笑

• 数学の美しさはその普遍性にある

数学が美しい理由の一つはなんといってもその普遍性であり、新しい発見や進化が、過去を否定しないという点において、他に類を見ない完全さがそこにあります。

歴史も物理も経済も、定説が大きく覆ったり、常識が塗り替えられる経験を何度もしていますが、こと数学に関しては、一度証明されれば、日本にいてもアメリカに行っても、月に行っても火星にいっても、未来永劫崩れることのない、本当にユニバーサルな、永遠の真理となります。

そのこと自体がそもそも、もの凄いことなのではないでしょうか。

先程の友愛数の話も、数学という永遠の真理が根底にあるからこそ、文化や価値観によって異なる「縁起の良い数字」以上のロマンと説得力を持つと思うのです。

• 数学の美しさを知り、感動して打ちのめされるには

「世にも美しい数学入門」という真っ先にオススメしたい本があります。

小難しい話を抜きにして、数学的知識がなくてもスラスラ読めてしまう、気軽な本です。

第一部「美しくなければ数学でない」、第二部「神様が隠している美しい秩序」の二部構成で、数学に詳しい方であれば当たり前の話なのかもしれませんが、今まで苦手だった人間や、「美しさ」に敏感な人間にとって、非常に新鮮で面白い話だと思います。

「三角形の内角の和は１８０°」という当たり前の話ですら、読み手を引き込んでくれます。

これはよくよく考えてみると神秘的で、これが、179°や181° だったら、そこに美しさはないと思います。

これは、美的感覚をもった誰かが決めたことではなく、「あらかじめそう決まっていた」ことゆえに、感動し、美しいと感じます。

他に、「ゼロ」という概念が数学にとって画期的な発明であったことも興味深いです。

「ゼロ」なんて当たり前のものだと思っていましたから。

ゼロがないとき、たとえば、「100」はどう記述していたのか？

そのあたりの話も含まれています。

これを読み終えたとき、「もっと！」という気持ちになっていたら、先ほど触れた「フェルマーの最終定理」など読んでみて欲しいと思います。

数学の専門書ではなく、歴史読み物ですので、楽しく読めるはずです。

それではまた。

よく「定番フォント100選」的なまとめを見かけますが、そのほとんどが欧文書体であり、その上くくりが大きすぎるため、結局のところ、漠然とフォントの名称を目で追って終わりになりがちです。

そういった経験が自身にあるからですが、もし何も分からない状態だとしたら、目的に対して最適な書体を選定することは、順序がぐちゃぐちゃのタウンページの中から、目的の店の電話番号を探し出すことぐらい難しいと思います。

せめて、分母の数を減らすためにも、カテゴリー分けしてやる必要があります。

というわけで、今回はプロダクトデザインという視点から、書体のまとめを行いました。

さて、今回の選定の前提ですが、「プロダクトデザインに効く」という条件を定めています。

プロダクトデザイナーにとって関わりの深い文字といえば、製品に印刷される文字と、画面のインターフェースに表示される文字になると思います。

少子高齢化という背景もあり、ユニバーサルデザインの重要性は高まるばかりですので、文字に関してもやはり、「文字の構成要素自体が見やすいこと」「他の文字と見間違えないこと」などのユーザーへの配慮は当然必要です。

それらを踏まえた上で、製品あるいは製品群に適合した書体を選ぶのがいいのではないでしょうか。

あまり少なくなりすぎると、画一的で面白くもなんともないので、欧文書体にくらべると数がはるかに少ない日本語書体ですが、少なくなりすぎないようにしました 笑

※デジタルフォント化されていないものも含みますので、本文中では基本的に「フォント」ではなく「書体」としています。

※こんな企画を立てたものの、自前で書体見本画像を用意できなかったものがいくつかありますので、申し訳ありませんが、それについてはリンク先で確認して下さい。

それでは以下より。

• ゴナ (写研)

中村征宏氏がデザインしたゴシック体で、「ゴシック」+「ナカムラ」の頭文字が由来。

登場から約35年、残念ながらデジタルフォント化されていませんが、まだまだ至る所で見かける書体であり、政府、地方自治体、様々な企業が、ゴナ（あるいはゴナ系書体）と密接な関係にあると思います。

ゴナは、HelveticaやUniverseと混植しても違和感のないようにデザインされたため、伝統的なゴシック体では、毛筆のイメージから、線の両端がやや太くなるような処理が行われていましたが、ゴナでは均等な線になっています。

その登場は、日本の印刷の世界に大きなインパクトを与え、モリサワの新ゴ、フォントワークスのロダン、リョービイマジクスのナウGなどに多大な影響を与えたと言われています。

• 新ゴ（モリサワ）

制作統括者は小塚昌彦氏。小塚ゴシック、小塚明朝の小塚さんです。

もはや目にしない日はないといえるほど、モダンゴシック体の主流となっています。

印刷物からテレビのテロップ、駅構内の案内版など、あらゆる場面で新ゴが用いられており、非常に人気のある書体です。

ゴナについては前述しましたが、デジタルフォント化されていない写研のゴナに、新ゴがとって変わったという構図があり、ゴナの代用として使用されている側面もあります。

ゴナと新ゴは切っても切り離せない間柄で、その分かりやすい事例が、1993年3月、写研がモリサワを訴えた、「ゴナ書体事件」です。写研がモリサワの新ゴを自社製品のコピーであるとして訴えを起こしました。

結果的にはその請求は退けられ、しかも皮肉にもこのことがきっかけとなり、ゴナに似た書体がMacで使えるということから、デザイナーのDTPへの移行が進んだという話があります。

• UD新ゴ（モリサワ）

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後述するイワタUDゴシックを皮切りに、各社ユニバーサルデザイン視点からの、視認性、判読性などに重きをおいたUDフォントの開発がすすんでいます。

モリサワからも、新ゴに「UD」の名を冠した「UD新ゴ」が発表されました。

発表内容によると、どうやら長めに組んだ文章をより読み易く組めることに重点をおいたものであるようです。

従属欧文には大きな変化が見られます。

というかもはやチェンジというレベルです。

まあ訳せば同じなんですが、言いたいことは伝わったでしょうか。

全く違うのですが、どことなくGill Sansに近い印象を受けます。

• ナウG　(リョービイマジクス)

原字の制作はすべてフリーハンド（定規などを用いない）で制作された書体。

それにより、モダンゴシックの代表的な存在であるモリサワの新ゴと比較し、直線・曲線ともに柔らな印象を持っています。

組み替えかなとして，“味岡かな”シリーズが用意されています。

ナウシリーズとして2005年グッドデザイン賞受賞。

• ニューロダン　(フォントワークス)

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新ゴやゴナに共通した雰囲気をもつ、字面の大きなモダンゴシック体。

組んだときの美しさを第一に、同社のロダンという書体を、字面を大きく、モダンにブラッシュアップしたもの。

見出しとしての使いやすさ、ベタ組みでの使いやすさが考慮されています。

新ゴに比べると、見かける機会は少なくなりますが、TV番組のテロップやゲームから、サインシステムなどで利用されています。

• モトヤシーダ(モトヤ)

懐を最大限に広げ、できるだけ大きく見えるように制作されたモダンゴシック体。

モトヤでは、使用できる漢字に制限はあるものの、モトヤ和文のほとんどの書体を「お試しフォント」として試用できます。

なかでも、モトヤシーダで最も低いウエイトである「モトヤシーダ1」は全文字種が無償提供されており、個人利用に限って利用可能です。

• モトヤUDシーダ（モトヤ）

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UDフォントモトヤ版です。

モトヤシーダをベースに、主に組込み機器の操作パネルやディスプレイでの表示を考慮し、文字の「太さ」や「大きさ」などが調整されているようです。

UDフォントにはわりと共通して見られる傾向ですが、従属欧文にはわかりやすい変化が起きています。

カウンター（文字の曲線で囲まれた部分で、d や p のように完全に閉じているものや、c や s のように開口部を残しているものを含む）が目に見えて大きくなっています。

残念ながらまだ「お試し」不可。

• ユニバーサルライン(TYPE C4)

メイリオの日本語担当として知られる、タイプディレクター鈴木竹治氏のオリジナルブランドが、「TYPE C4」です。

文章の可読性ならメイリオのほうがいいでしょうが、単語ベースで見れば、断然ユニバーサルライン DSP（表示用）だと思います。

表示用なので当然の結果かもしれませんが　笑

ちなみに、かなが小さめのBDY（本文用）もちゃんとあります。

参考として、以下 TYPE C4 オフィシャルサイトより引用

『TYPE C4』は、明朝体、ゴシック体の概念にとらわれない発想でデザインする汎用ゴシック系基本（フォーマル）書体を中心とした、次世代のための視認性・判読性の高いクリアなデザインのフォント、更に判読性・可読性の高めたユニバーサルデザイン思想のフォントを開発するフォントブランドです。

• 角ゴシック体 Ca（キヤノン）

>>サンプルを見る

懐が広く直線的なモダンゴシック体。

少しポップな印象は受けますが、字面は他のモダンゴシック体と比較してもかなり大きな部類だと思います。

ただし、残念ながら2007年1月31日よりパッケージ販売は終了、現在は、同社が販売しているレーザープリンタにバンドルされているものとして入手するほかなさそうです。

テレビのテロップなどでの利用が多いようです。

参考 : ニューステロップ基本書体一覧

映像分野であるため評価基準が異ってくる部分はありますが、バラエティーではなくニューステロップですので、ある程度フォーマルかつ視認性の高い書体群として参考にはなると思います。

• イワタUD ゴシック / イワタ

>>サンプルを見る

パナソニックが話をもちかけたことで、共同開発がスタートした書体。

電機メーカーが自社で使用するためにフォントメーカーと組んだ書体だけに、プロダクトデザイナーからすれば頼もしい気持ちにさせてくれます。

UDゴシックが登場したので、あえて取り上げることはしませんでしたが、和文は同社のイワタ新ゴシック(モリサワ新ゴとは全く別)をベースとし、欧文はFrutigerをベースに開発されました。

「視認性」「判読性」を重視した「表示用」と、「可読性」を考慮した「本文用」の２シリーズで展開されています。

わかりやすい違いとしては、かなの大きさでしょうか。

本文用ではやや小ぶりになります。

工業製品に使う場合、基本的に単語での使用なので、「表示用」を使うべきでしょう。

今年の GOOD DESIGN EXPO 2009 会場で見かけましたが、見事、ライフスケープデザイン賞(経済産業大臣賞)を受賞したようです。

UDフォント戦線が激しくなり、盛り上がっているわけですが、先陣をきったイワタが一歩リード!?

完成度も非常に高いと思います。

• AXIS Font / Type Project

おなじみAXISフォントですが、雑誌用に制作された書体だけに、バッチリ工業製品向きとは言いづらいところはありますが、なぜここで取り上げたかといえば、コンデンス体、コンプレス体があるからです。

電気製品に使用される文字は、小さなスペースにできるだけ大きくいれてやらないと読みづらくなってしまうために、7割近くが変形使用されているそうです。

それはつまり、せっかくベストの状態で作られた文字のバランスを崩してしまっていることに他なりません。

7割がベストコンディションではないのです。

制限された範囲の中に、2文字ならそのまま入るのに、4文字になると入らないといったことがしょっちゅう起き得るわけで、そうするとどうするかといえば、文字サイズを小さくするわけにはいかないので、長体をかけます。

なんということでしょう！

キュッと圧縮しただけなので、縦画が異様に細くなってしまいました。

コンデンス体の場合、あらかじめ長体がかかったような形状ですが、スタンダードな状態を単につぶしたわけではなく、スリムになった状態できちんとバランスがとれるよう調整されています。

この、日本語におけるコンデンス体というコンセプトがうれしいので取り上げることにしました。

時折、欧文書体ファミリーの中で見かけるオブリークとイタリックも同様の違いがあり、オブリークはただ傾けただけといった具合です。

• TB Gothic for Condense / タイプバンク

>>サンプルを見る

こちらもAXISフォントと同様、長体に向き合った書体なので取り上げています。

ウエイトが5種類ありますが、展開の軸がもう一つ、「Normal」「C8」「C6」の3種類です。

それぞれの使用基準は以下のとおりです。

Normal : 100~80% 長体

C8 : 80~60% 長体

C6 : 60~50% 長体

個人的には、今とても惹かれている書体でもあります。

UD書体が続々登場しはじめているわけですが、AXISやTB Gothic for Condenseのように、長体頻度が高いことを前提にしたUD書体がでてくることがプロダクトデザイン分野にとっては待ち望まれることだと思います。

その点で言えば、イワタUDゴシックは、長体使用にも配慮しているということですが、裏をかえせば、最大公約数的なモノになってしまうのではないでしょうか。

書体開発に関してはド素人なので、あまりうかつなことは言えませんが。

• TBUDゴシック（つたわるフォント）/ タイプバンク

>>サンプルを見る（リンク先にてPDF閲覧可能）

博報堂が、慶應義塾大学、タイプバンクとともに、ユニバーサルデザインフォント「つたわるフォント」を共同開発したというニュースが先月(2009年9月)ありました。

見出しはTBUDゴシックとしていますが、他に、TBUD明朝、TBUD丸ゴシック、TBUDタイポスというラインナップになっています。

これらは、同社のクライアント向けに販売されるもので、一般向けの販売は行われないそうです。

ですが、「つたわるフォント」を利用した広告制作を展開する、「つたわる広告」のサービスの提供を開始するそうですので、今後は博報堂のクライアントの広告で目にする機会が出てくると思います。

• 【おまけ】ドライバーズフォント / デンソー + Type Project

最後に、「こういった取り組みがある」という紹介にしかならないのですが、デンソーとType Project による、ドライバーズフォントを取り上げようかと思います。

サンプルは現在のところ公開されていないようですのでリンクは無しですが。

AXISにも掲載されているようですので、興味のあるかたは自力でお願いします。

さて、私自身、Gマークのデンソーブースで見たのがきっかけで知ったわけですが、ドライバーズフォントは車載用のフォントで、運転中にドライバーがチラ見した時、「拾い読みしやすく、印象に残りやすい」ことをコンセプトに制作されています。

確かに、運転中にまじまじと画面を見ることは難しいですから、普段落ち着いた環境で見ることを前提に開発されている書体とは違ったコンセプトがあって当然かもしれません。

運転中は、脳裏に焼き付けられるような文字がありがたいのです。

そういった意味では、高速道路の「公団ゴシック」と呼ばれる書体と近い意図が感じられます。

公団ゴシックは、ドライバーが高速で移動しながら文字を確認できるように配慮されており、画数が多くつぶれやすい文字は、もはや字体を変えてまで徹底して簡略化しています。お世辞にもキレイとは言い難いですが、一目で認識させ、必要な情報を「伝える」ことができればいいと考えてのことでしょう。

公団ゴシックについては、こちら(高速道路フォントめぐり)に画像が多く掲載されています。

以上で終わりますが、いずれ「丸ゴシック編」もやりたいと思いますのでお楽しみに。

いよいよシルバーウイークも終わってしまいましたね。

私の母校では毎年夏休みに、プロダクト系の学生が自主的に、一週間で課題に取り組み、プレゼンまで行う短期集中の「デザインまつり」的なことを恒例で行っています。

OBはこのプレゼンテーションに招待され、学生は講評してもらうしくみです。

今年は立場も変わり、OBとしてプレゼンテーションに参加してきました。

参加してきた感想ですが、学部生も修士も、例年と比較してみんな絵が上手い！

いい刺激でもあり、うれしく思いました。

客観的に他人のプロセスを見つめることで、得られるものも多く、今回のことをきっかけに、デザインプロセスにおける注意点をまとめてみました。

いわゆる備忘録みたいなものです。

・デザインのフェーズが進んでいく中で、やりたいことを見失わないこと

・自分のアイデアのどこがポイントなのか正確に見極める

・やりたいことと、それを実現する手段(how)を混同しない

これらは総じて、整理力に帰結すると考えています。

この力をつけることで、天からアイデアが降ってくるまでひたすらアイデアラッシュ(完全にフラッシュアイデア)を繰り返し続け、たまたま出たアイデアをそのままスタイリングするようなことは無くなると思います。

以前から思っていたのですが、プロセスに関するパネルの見出しを「IDEA SKETCH」と「STYLING SKETCH」にしてしまうから、その見出しにひっぱられ、デザインのプロセスが2段階しかないように錯覚してしまうのかもしれません。

加えて、「IDEA SKETCH」の段階にのみ「IDEA」があるという錯覚も同様です。

フェーズはもっと複雑で多様です。

運を天にまかせるようなところから抜け出すためには、頑張ってひねり出したフラッシュアイデアを糧にしたアイデア展開ができることが重要だと思います。

先程、「自分のアイデアのどこがポイントなのか正確に見極める力」と書きました。

フラッシュアイデアはノイズだらけです。

ぽっと出のアイデアに対し、そのアイデアの何が重要で、何がノイズかを見極め、重要な部分を抽出することで、それを軸にフラッシュアイデアを次なるアイデアへと繋げることが出来るはずです。

アイデアを思いついた際、脳内で消してしまわずに、大切な時間を使って絵にしているわけですから、すくなくともそのアイデアには、自覚していなくても、無意識に「面白い」と感じているポイントがあるはず。

それを抽出せずして、見向きもせずに「はい次」となってしまうのは勿体ないことです。

そのポイントを抽出するためには、描いたアイデアの構成要素を分解すること。

その作業を、アイデアの因数分解と呼びたいと思います。

そこで抽出された因数は、場合にもよりますが、十分コンセプトになり得ます。

やりたいこと（着眼点）が面白いのか、その実現手段(解法)が面白いのか。

面白いならば、どういうところが面白いのか。

また、テーマがecoであれば、そのアイデアで自分はecoをどういうことと捉えているのか。

テーマがhappyであれば、そのアイデアで自分はhappyをどういうことと捉えているのか。

出したアイデアひとつひとつに向き合い、それを文章化して直接書き込むなり、ポストイットに書いて貼っておくなりするといいと思います。

それを見つけることができたなら、重要な要素と、実はノイズでしかない要素（ここをなんとなく気に入ってしまっていることもある）がはっきりします。

なんだかわかりにくい話になってきましたが、要はアイデアに対して、「つまりそれってどういうこと？」「いろいろ描いているけど、ここでやりたいことは何なのか？」という自問自答をすることで、おまけ要素をそぎ落とし、きっかけになる因数を取り出そうということです。

分解することで、面白くないと思っていたアイデアのつまらない部分だけが削ぎ落とされ、十分に面白く、次につながる部分が見えてくるかもしれません。

う〜ん、いつかきちんとまとめたいですね。

「後づけコンセプト」はアリかナシか？

design thinking「コンセプチャルデザイン（その7）〜コンセプトとビジョン、デザインに求められているもの」という記事を読んで、私は「アリ」じゃないかと、そう思います。

もし、「ナシ」であれば、「後づけでもいいじゃん」という、実は多くの人が聞き慣れているであろうこのセリフを言う人は間違っていることになるのか。

そうじゃないと思います。

ただし、「アリ」だという話は、コンセプトとビジョンの違いを明確にしておかなければ成り立たないかもしれません。

以下、design thinking から引用させていただきます。

まずコンセプト(CONCEPT)ありきで、それに従ってフォルム(FORM)とディテール(DETAILS)が決定されるというのは、とてもわかりやすいけれど、とんでもない間違いだと思う。

正しくは、デザインによって解決したい問題、将来の展望(VISION)があり、それに従ってフォルムとディテールが生成される。

コンセプト(CONCEPT)というのは、出来上がったものを説明するための、プレゼンテーションの道具でしかない。

だから、コンセプトなどというものは共有財（コモンズ）あるいはフリーウェアとしてそこいらじゅうに転がっていれば良く、デザイナーは出来上がったものにピッタリのコンセプトを「選択」すれば良いと思う。

「やりたいこと」が明確になっていなければ、アイデアを魅力あるものにブラッシュアップしていくことなど恐らくできないでしょうが、「やりたいこと」とはビジョンであり、コンセプトではないと言うならば、納得がいくと思います。

学生の頃を思い返して書きますが、例えば、あなたがあるデザインに取り組んだとします。

今はプレゼンテーションの準備をしており、モノとしては上手くまとめきれています。

あなたは、パネルやスライド（あるいはノートの下書き）に「CONCEPT」という見出しをうちました。

「う〜ん、どう書こうか」

こんな経験は誰しもあるのではないでしょうか（なかったらゴメンナサイ）。

考えの筋がきちんと通った提案ですら、こういうことはあると思います。

この場合、コンセプトがぶれているのではなく、ただ単にいい言葉がみつかっていないだけ。

この言葉が早い段階で見つかれば、ブラッシュアップの際に「やりたいこと」を見失ったり、狙った効果と、二次的あるいは結果的に得られる効果を混同して混乱することもなくなると思いますが。

要は、ビジョンがぶれていなければ問題無いのかもしれません。

むしろ、引用させていただいた、

コンセプト(CONCEPT)というのは、出来上がったものを説明するための、プレゼンテーションの道具でしかない。

というのが正しいのであれば、「コンセプトがぶれている」という表現すら存在しえないのかもしれません。

ぐちゃぐちゃな状態はただ、「ぶれてる」とだけ言うほうが的を得ているのかもと思いました。

重箱の隅をつつくような話かもしれませんが　笑

新海誠監督の「秒速5センチメートル」をみました。

この監督の作品を見たのは「ほしのこえ」が最初でしたが、当時、ほぼ全ての作業を一人でやったという事実を耳にして、衝撃を受けました。

声も、ICレコーダーを使った宅録（しかもこたつの前で）だったとか。

TV番組で制作風景が放送されていたのがみるきっかけでしたが、カメラで撮った写真をフォトショップに入れて絵をおこしていたのを見て、「なんだ、これならおれにもできるじゃん！」と思って真似したものの、見事に挫折した覚えがあります　笑

それはさておき、作品をみていて、映像制作に関する技術的側面だけでなく、心の琴線に触れるような詩的な表現が上手いなと、不思議に思っていました。

そういう人もいると言ってしまえばそれまでかもしれませんが、過去が気になって調べたところ、なんと、大学では文学部の国文学専攻！

なおかつ会社勤めの時代は映像制作に従事していたということで、合点がいきました。

学際性を持った人物の明快な成功例のひとつと言えるのではないでしょうか。

今日はこの「学際性」というものについて書こうと思っています。

近年、「複眼的視野をもった・・・」とか、「複合型のアプローチ、境界領域的、学際的な・・・」といったスローガンが世の中至る所で叫ばれています。

それ自身は理想のかたちとして間違いのないものだと思います。

私自身そういった教育を受けてきました。

しかし、「上手くいけばジェネラリストだが、下手すればただの器用貧乏でしかない」ということをずっと個人の問題意識として抱えています。

単純に考えて、かけ算をして効果があるのはひとつひとつの数字が1より大きい時だけです。

2×2=4 になるし、1.1でも何乗もすれば大きな数字になりますが、0.5×0.5=0.25 と、悲惨な結果。

0.9の技能を二つ持つよりも、1.8の技能を一つ持ったほうがいいのではという疑問すら浮かび上がります。

あ、足し算ならいいのか　笑

結局のところ、ジェネラリストというのは、何か特定の領域でスペシャリストとしての能力を持ってはじめて到達できるのかもしれません。

東洋人は、西洋人と比較すると、短所を克服することに力を注ぐ傾向があるそうです。

一方の西洋人はというと、短所はほうっておいてとことんまで長所を伸ばす傾向がある。

短所を克服する段階で、長所が1を超えていればいいのですが・・・

どんなに狭い範囲に限定しても、誰にも負けない専門領域は持っておかねば、と思う今日この頃なのでした。

器用貧乏は避けたいところです。

「それがわかりゃ苦労しないよ」なんて声が聞こえてきそうですが、”How to be a Design Superstar“という記事が Design Sojourn にて書かれています。

言ってることはごもっとも、「あ〜、確かにそうかも！」という感じです。

今日はその記事を紹介したいと思います。

全体を通して、自己ブランディングを意識していきましょう！といった記事になっています。

さて、さっそくですが、気になる内容はざっくり言えば以下の通り。

• 1. 自分自身のSWOT分析をしよう

SWOT分析とは、いわゆる戦略計画ツールの一種ですが、これを自分自身に適用してはどうかということですね。

デザイナーとして自分自身のStrengths、Weaknesses、Opportunities(あなたの強みを適用する)、およびThreats(自分の弱みへの)を特定、分析してみる。

そうすることで、現在の自分自身の個人的なブランドとブランド価値を創出するベースとなり得るキーワードのリストが得られる、ということです。

• 2. 髪を切ろう

自分自身もデザインの対象と捉え、うまくコントロールしなさい、といった内容です。

人々の、デザイナーに対するステレオタイプを理解し、うまく自分をコントロールすることで、大きなアドバンテージが得られる。

自分自身のブランディングを意識して、髪型や服装など、気を配ること。

人々が期待する、「デザイナー」を意識することで、頼もしさを演出しましょうといったことでしょうか。

「人は見た目が9割」や、数多く出版されている自己ブランディング関連の本で言われていることと同様の主張と思います。

• 3. 自分の名前のドメインを購入しよう

ここでは、アイデンティティの保護のみならず、検索結果の始めに表示されることは非常に重要であるといったことが書かれています。

確かに、URLが自分の名前なら、見つけてもらえる可能性も高いでしょうし、覚えてもらいやすいということもあると思います。

実際、日本人で考えてみても、「naotofukasawa.com」「kashiwasato.com」「kazuokawasaki.jp」「michioakita.jp」「toshiyukikita.com」「kenokuyama.jp」などなど。

ああ、なるほどね　笑

• 4. 作品集（自分）のブランディングを見直そう

ポートフォリオのみならず、名刺、履歴書、ウェブサイトなど、徹頭徹尾、自分自身のブランドを意識して、それをきちんと反映してください、とのこと。

こういうにくいマネ、学生の頃から出来ている人は出来ていますし、すごいな〜と思います　笑

こういうことがテンションあげていく上でも重要だと思いますので、是非意識してみては。

手始めに、マーカーに貼る名前シール作るだけでも楽しいと思いますよ　笑

• 5. ブログを始めよう

ブログを始めることの重要な理由は、仕事の背後にある、あなたの「声」をもつこと。

クライアントがあなたと考えを共有でき、かつ、あなたの人柄を知ることができる場をつくること。

また、記事を通じて、他のデザイナーと接することが出来るということ。

• 6. デザインネットワークに参加しよう

Behance や Design Related のような巨大なポートフォリオネットワークサイトがありますが、そこで自分を売り出し、そこに仕事を掲示すること、友人をつくること、尋ねること、コメントに応じることが勧められています。

デザインのディスカッション・フォーラムはまた、シニアデザイナーとのネットワークへの近道であるようです。

• 7. 受賞しよう

受賞することは、同業者から認められたという保証であり、信頼も得られる、強力なマーケティングツールとなり得る、という話。

当然と言えば当然ですが。

• 8. 過度な売り込みをしない

一言で言えば、「きちんと考えた上で適切なアピールをしましょう」といった内容です。

行き過ぎた、闇雲な売り込みは厳禁！！らしいです。

気をつけましょう。

• 9. 良い仕事を！

これも当然と言えば当然ですね。

面白くない仕事でも、ボスに嫌気がさしても、最善の結果を出し続けること。

いい評判を立てるのは困難でも、その逆は簡単です、と。

• 10. A different take?

はい、タイトルの訳が難しいので英語のままです　笑

単語は簡単でも、こういうのが一番やっかいです。

ニュアンスとしてはなんとなく察しがつきますが。

さて、ここでは、 Fast Company’s 2004 update の自己ブランディングに関する、今回のことに関連した内容の記事を読んでみることが勧められています。

英語が平気な方は読んでみては。

というわけで、以上になりますが、ここでは大雑把に、「こういうことが書いてあります」程度ですので、興味がわいた方は、紹介させてもらった元記事の “How to be a Design Superstar” 、読んでみてはいかがでしょうか。

それでは！